Amazônia, Sebastião Salgado, paisajes y retratos

A las tres de la tarde teníamos las entradas para la segunda exposición de nuestro primer día en Madrid, en esta ocasión era la de Amazônia, Sebastião Salgado.

 

Una exposición imponente y sorprendente. La última muestra del trabajo fotográfico de Sebastião Salgado, que ha estado presente en la ciudad de Madrid desde el pasado 13 de septiembre y que finaliza mañana 21 de enero, tras una semana de prórroga.

 

Un total de 203 fotografías en blanco y negro con dos temas principales: los paisajes y los retratos. Los paisajes, en uno de los rincones más remotos de la selva amazónica y los retratos de sus habitantes, que se complementan con siete películas.

Son unas fotografías que en ambas vertientes tanto la paisajística como la humana muestran una belleza sublime y que tienen una finalidad clara, la de conservar, preservar y concienciar sobre la fragilidad del principal ecosistema del planeta.

Las fotografías de Amazônia, se han realizado durante siete años y han captado la grandiosidad de una parte de nuestro planeta y la de doce de las comunidades indígenas que habitan en la selva trópical.

La exposición es a su vez una experiencia multisensorial, donde se mezclan las fotografías de gran formato con la música de Jean-Michael Jarre y los sonidos de la naturaleza captados por el Museo de Etnografía de Ginebra.

 

 

En palabras de la comisaria de la muestra, Lélia Wanick: 

"Nuestro planeta nunca ha enfrentado un peligro tan grande como el de este siglo. Los efectos provocados por el calentamiento global, la desertificación de los suelos, la contaminación de los océanos y la destrucción constante de la biodiversidad suponen un reto importante para el ser humano"

 

La exposición está estructurada a partir de tres viajes, uno aéreo, uno fluvial y uno terrestre en los que Sebastião Salgado, ha podido convivir con comunidades indígenas, algunas de ellas contactadas en los últimos veinte años.

 

En estos momentos hay un 18% de espacio destruido de la Amazônia, queda pues un 82% por salvar. El ambiente de la exposición se hace especial gracias a su iluminación que queda concentrada en las fotografías. El recinto recrea las ocas, así se llaman a las viviendas indígenas. Los visitantes accedemos al interior de las ocas y a través de los vídeos se escuchan las voces de las diferentes tribus que participan en la exposición a través de sus testimonios.

 

Esta exposición es además del viaje paisajístico, un viaje que nos permite poner rostro a las personas de las doce comunidades indígenas con las que Sebastião Salgado ha convivido a lo largo de 7 años.

En la Amazônia se encuentra la mayor biodiversidad del mundo y la más grande cantidad de aguas dulces del planeta.

 

En la Amazônia vive la prehistoria de la humanidad, la prehistoria de nuestra especie,  la exposición quiere mostrar su belleza y concienciar a la población sobre la necesidad imperiosa de su conservación.

 

De las notas de color de esta exposción, destaco sin duda la del matrimonio Lélia Wanick Salgado y Sebastião Salgado, que iniciaron el proyecto Instituto Terra con el propósito de de reforestar la granja donde el fotógrafo se había criado en Aimorés, un proyecto del corazón a la esperanza.

 

Breve video de Sebastião Salgado con la presentación de la exposición, puedes verlo clicando en el enlace

RTVE La aventura del saber puedes ver el video clicando en el enlace 

Video UNED Amazônia, Sebastião Salgado, puedes verlo clicando en el enlace

 

Texto y 

Fotos de las fotografías de la exposición:Pilar Vidal Clavería

Madrid

12 enero 2024

 

Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

Picasso 1906, la gran transformación

En la última entrada de este blog del año 2023 y con mis mejores deseos para el recien estrenado 2024, destaqué en una imagen la combinación de cinco fantásticas exposiciones que había visto en la ciudad de Barcelona a lo largo de los últimos doce meses.

Y han sido precisamente las exposiciones uno de los alicientes que me han llevado a pasar tres intensos días, en la ciudad de Madrid.

A nivel cultural la ciudad está inmensa, con cantidad de exposiciones interesantes y con colas, que ya me gustaría ver también en Barcelona, para asistir a representaciones teatrales, tanto de obras comerciales como de otras más alternativas.

El viaje en tren Barcelona-Madrid y viceversa, es rápido y con unos precios muy atrayentes, que ofrecen una muy buena oportunidad para disfrutar de la Villa.

A las diez de la mañana y después de almorzar un bocadillo de calamares en El brillante, ya estabamos en la puerta del Museo Reina Sofía para ver Picasso 1906, la gran transformación, una exposición con más de 120 obras, inaugurada el pasado 5 de noviembre que se podrá ver hasta el próximo 4 de marzo.

Una de las últimas exposiciones del año Picasso, con motivo de los 50 años de su fallecimiento en 1973.

Elegir el año 1906 como título y motivo de la exposición, no es casual. Se trata de reivindicar esa fecha como la del momento en que Picasso elaboró algo muy especial y único, que dió origen a la creación del Arte Moderno.

1906 significó mucho más que un puente entre la época rosa y su obra cubista de Les Demoiselles d'Avignon, fue un año de transformación.

Picasso tenía 25 años en 1906, cuando fue de París a Barcelona, de Barcelona a Gósol y de Gósol volvió a París.

Retrato de Fernande Olivier, 1906

 

El Museo Reina Sofía ha reunido para la exposición obras de su propio fondo, más los préstamos procedentes de diversas e importantes instituciones como el MoMa, el Metropolitan y el Guggenheim de Nueva York, y también de otros museos americanos como los de Chicago, Boston o Philadelphia, así como de los "Museo Picasso" de Málaga, Barcelona y París.

 

Mujer peinandose, 1906

 

En 1906 Picasso trató el tema del desnudo, como un modo de experimentación, que queda reflejado en gran parte de las obras que contemplamos en el recorrido de la exposición.

 

Autoretrato (1906, Musée National Picasso de Paris). Óleo pintado a su regreso a París desde Gósol.

 

Estructurada en ocho salas diferentes, complementa lo que conocíamos de sus obras anteriores y ayuda a comprender las fuentes que fueron claves e inspiradoras en la elaboración de las mismas, pudiendo contemplar también en las salas de la exposición, obras del arte europeo y africano que fueron fuentes de su proceso creativo. 

 

 

Mujer con panes, (1906).

 

Había puesto su atención en el arte etrusco, griego, en el arte primitivo de las culturas de Egipto y Mesopotamia, en el primer románico catalán y también en maestros de la pintura como El Greco, Corot, Cézanne, y del arte que se encontraba en el Museo Trocadero de París. Todo ello le permitió una hibridación de elementos que no se había producido con anterioridad.

 

Retrato de Gertrude Stein, (1906. Metropolitan Museum of Art, New York).

 

Se considera a esta obra una anticipación al cubismo y ha sido motivo de ánalisis y relatos de leyenda. Se cuenta que fueron más de noventa sesiones las que realizó Picasso a su amiga Gertrude Stein, creando una imagen singular, injertando una cabeza proto-cubista con un cuerpo del periodo rosa.

Mujer con pañuelo (retrato de Fernande Olivier), (1906, Museo de Bellas Artes de Virginia. (Richmond). 

Podemos hablar de revolución artística en sus obras, en un momento en el que su compañera era Fernande Olivier, Amélie Lang (1881-1966) de  nombre verdadero, con la que convivió durante siete años, de 1904 a 1911 y de la que realizó gran cantidad de pinturas y esculturas.  

Busto de mujer joven, cuadro realizado en otoño de 1906 y que se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Los dos hermanos, (Gósol 1906, Musée National Picasso de París)

En primer plano el busto de Fernande tallado en madera de boj, detrás Desnudo sentado, ambas obras están en el Musée National Picasso de Paris.

Y como colofón la combinación de la obra Mujeres acicalándose de 1956,  y la escultura con el busto de bronce, Cabeza de mujer, Fernande Olivier, de 1909.  Ambas obras se encuentran en la última sala de la exposición

Puedes ver los videos del Museo Reina Sofía, Picaso 1906. La gran transformación, clicando en los enlace y enlace.

Artículo en PAC, Plataforma de Arte Contemporáneo, puedes leerlo clicando en el enlace

Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería

Madrid

12 enero 2024

 

 

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Marc Chagall, el color de los sueños

En el número 11 del carrer Ample de Barcelona, muy cerca de la Basílica de la Mare de Déu de la Mercè,  se encuentra el Palau Martorell, un edificio neoclásico construido entre 1886 y 1900, donde destaca su estilo Novecentista, lejano y ajeno a las características del Modernismo.

Este edificio acoge desde hace un tiempo exposiciones de artistas destacados. En esta ocasión se trata de Marc Chagall, El color de los sueños,  que podrá verse hasta el próximo 24 de marzo, con un total de 181 obras.

 

Marc Chagall, 1887-1985, es un pintor de orígenes rusos y judíos, nació en la ciudad de Vitebsk, actualmente Bielorrusia, siendo el mayor de nueve hermanos. Con un estilo personal y fácilmente reconocible, destacan el color y el trazo peculiar de sus obras, siendo fácil para mi, sucumbir a sus cuadros de flores, tanto por su elaboración, como por su colorido.

Destacan también sus trabajos en la ilustración, la cerámica, los mosaicos y también de una forma muy intensa en el diseño de vidrieras.

Durante dos veranos estuvo en la localidad catalana de Tossa de Mar y su museo municipal cuenta con la obra El Violinista Celeste, que Chagall dejó como regalo.

En esta entrada vemos algunas de las obras presentes en la exposición, básicamente en el apartado de las flores, en la que también podemos leer en uno de los paneles informativos, esta frase que comparto:

Bella me dio la primera flor... Te podrías preguntar durante horas qué significan las flores, para mi, son la vida misma, en todo su feliz esplendor. No podríamos prescindir de las flores.

 

 

 Chagall en sus primeras obras combinó elementos del fauvismo, de la vanguardia cubista y del orfismo de Robert Delanuy. Aunque se formó artistícamente en San Petersburgo, en el año 1910 se trasladó a París, donde se instaló de forma permanente en 1923 y ciudad de la que siempre estuvo enamorado.

 

Le fascinó el mundo del circo y muchas de sus obras hacen referencia a este tema.

 

Pablo Picasso dijo de él: “Cuando Chagall pinta, no se sabe si está durmiendo o soñando. Debe tener un ángel en algún lugar de su cabeza”.

 

 En 1915 se casó con Bella Rosenfeld, que fue su musa y motivo de inspiración de muchas de sus obras, convivieron durante treinta y cinco años, hasta 1944 fecha en la que esta murió en la ciudad de Nova York.

  En 1945 contrajo matrimonio con Virgina Haggard y se separó en 1952. Ese mismo año se casó con Valentina Brodsky -Vavá- con la que convivió hasta su muerte y junto a la que está enterrado en Saint-Paul de Vence.

 

 La muestra recorre la actividad de Chagall a lo largo de 50 años y está estructurada en apartados diversos como son los ritos y tradiciones rusas y judías que vivió en su infancia, las obras en torno a la Biblia y el Éxodo y el mundo de las flores entre otros.

 

Pocas obras tienen colores pálidos como los de estas rosas. En general los colores son vivos y aportan vitalidad y esperanza.

 

Dejar que mi sombra se integre con la pintura, una manera lúdica de disfrutar de la visita.

 

El contraste de una de las obras coloridas y las litografías en blanco y negro, se refleja a través de una de las ventanas del palacio que acoge la exposición.

 

El asno azul junto a los amantes y el ramo de flores, una composición que también se repite en sus obras.

 

La figura del violín, o del violinista, también aparece en muchas de sus pinturas. Lo podemos asociar a las tradiciones y al arraigo a su tierra de origen.

 

Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería 

Palau Martorell

Barcelona

enero 2024

 

 
Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

Miró-Picasso, 50 años de amistad en la Fundació Miró

"Después de mí, tu abres una nueva puerta" le dijo Picasso a Joan Miró en 1921.

 

Al día siguiente de la visita a la exposición Miró-Picasso, Dos espíritus innovadores, una exposición única, en el Museu Picasso de Barcelona, le tocó el turno a la Fundació Miró. El mágnifico espacio de la Fundació acoge a los Picasso que llegan del Museu y a muchas más excelentes obras, procedentes de instituciones internacionales y de colecciones privadas.

 

Las vidas de Pablo Picasso y Joan Miró discurrieron por sendas bien diversas, en las que de vez en cuando coincídian. Con dos personalidades bien diferenciadas, supieron mantener el vínculo de su amistad intacto, un vínculo del que quedan numerosos documentos materiales y documentales, hasta el final de sus vidas. Ambos también compartieron el haber dejado parte de su legado, en los magníficos museos que posee la ciudad de Barcelona.

Pablo Ruíz Picasso llegó a Barcelona en 1895, con 14 años y permaneció en la ciudad hasta el 1904. Joan Miró i Ferrà, nació en Barcelona en 1893.

 

Joan Miró. Retrat d'una ballarina espanyola, 1921, procedente del Musée national Picasso-Paris.

Joan Miró. El cavall, la pipa i la flor vermella, 1920, considerado como su respuesta al cubismo, que conoció en su primer viaje a Paris y que le fascinó. En esta obra vemos un ejemplar del libro Le Coq et l'arlequin, de Cocteau, que se encuentra abierto en una página con un dibujo de Picasso. Philadelphia Museum of Art, Philadelphia.

Pablo Picasso. Las tres bailarinas o La danza, 1925, procedente de la Tate Modern.

Pablo Picasso. Figuras a la orilla del mar, París, 12 de enero de 1931, procedente del Musée national Picasso-Paris.

 

Joan Miró,  L'objecte de la posta de sol, 1935-1936, una pintura-objeto realizada entre el verano de 1935 y los primeros meses de 1936, Centre Pompidou, Paris.

Artículo El erotismo de los objetos, puedes leerlo clicando en el enlace.

Pablo Picasso. La mujer que llora, 22 de junio de 1937, Fondation Beyeler, Riehen/Basilea.

 

Joan Miró. Sense títol (Cap d'home),1937.

 

Pablo Picasso. Retrato de Dora Maar, París, 1937, Musée national Picasso-Paris.

 

Joan Miró. Detalle de Autorretrat I, 1937-1938

Pablo Picasso. Mujer sentada con sombrero, 1961, Coleción Nahmad.

Joan Miró. Homenatge a Pablo Picasso, obra que sirvió para ilustrar la portada de La Vanguardia, el 24 de octubre de 1971, con motivo del 90 aniversario de Pablo Picasso, Colecció particular.

Puedes verla clicando en el enlace.

Artículo de Lluís Permanyer, El regalo de cumpleaños de Miró a Picasso clicando en el enlace.

 

Pablo Picasso. El passeig de Colom, Barcelona, otoño 1917 y Joan Miró. El balcó, Baix de Sant Pere, 1917, Colección Adrien Maeght, Saint-Paul-de-Vence.

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Barcelona

diciembre 2023

Miró-Picasso, 50 años de amistad en el Museu Picasso

Después de la intensidad del viaje a México, poder visitar la exposición de Miró-Picasso, Dos espíritus innovadores, una exposición única, primero en el Museu Picasso de Barcelona y al día siguiente en la Fundació Miró, ha sido también una experiencia intensa, ya que se trata de dos exposiciones excelentes e imprescindibles, que se pueden visitar hasta el próximo 25 de febrero.

El calificativo de experiencia intensa, tiene sentido para mi porque me ha permitido ver obras de ambos artistas y contemplar el legado de su amistad, que va más allá de su genialidad y que los acerca a dos seres humanos que disfrutan de un bien muy preciado, el de la amistad, una vinculación escogida, más allá de la familiar.

 

El hecho de que sus obras esten juntas, no lleva en ningún momento a la comparación, sino en muchos casos a la integración y a comprobar como cambiaron cada uno con su manera particular la pintura, la escultura y la cerámica del siglo XX. 

Están las obras individuales, claramente identificables y también las que en algún momento me han llevado a dudar de la autoría.

 

Estas dos exposiciones, todo y que se puede considerar una exposición única, pero ubicada en dos espacios independientes, se lleva a cabo con motivo de la celebración del 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso, el 8 de abril de 1973, y la del 40 aniversario de la de Joan Miró, el 25 de diciembre de 1983 y se enmarcan en los actos de la Celebración Picasso 1973-2023, que abarca un total de 50 exposiciones dedicadas a Picasso, que tienen lugar en todo el mundo entre el otoño del 2022 y la primavera del 2024.

El programa de mano es único para las dos exposiciones, que se organizan en siete grandes ejes cronológicos y temáticos. El objetivo de mostrar las obras de los dos artistas, que transformaron el arte del siglo XX.

Estos siete grandes ejes son los siguientes: 1. La cronología de la exposición, que comienza con sus dos encuentros, el primero en 1917 en Barcelona y el segundo del 1921 en París. 2. Continúa con el París del Surrealismo. 3. Pintura y Escritura. 4. Los Años de Guerra, la Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. 5. Del asesinato de la Pintura a la Cerámica. 6. El estilo Picasso, el lenguaje Miró y 7. Miró homenajea a Picasso.

 

En esta entrada reflejo alguna de las obras de la exposición en el Museu Picasso de Barcelona, en la próxima,  las que se presentan en la Fundació Joan Miró también de Barcelona.

Panel informativo al inicio de la exposición Miró-Picasso, Dos espíritus innovadores, una exposición única en el Museo Picasso de Barcelona.

 

"Tú eres el primer artista con el que me encontré cuando llegué a Paris en 1919 [sic], a ti te mostré [...] mis primeras pinturas, que nadie más había visto"

Carta de Joan Miró a Pablo Picasso

París, 6 de mayo de 1954

Joan Miró. Detalle de La masia, ejecutada entre Mont-Roig del Camp y París, 1921-1922. Un cuadro sin duda emblemático, que había sido propiedad de Ernest Hemingway y que ahora pertenece a la National Gallery de Washington.

 

Joan Miró explicó sobre esta magnífica obra:

"Desde el árbol alto hasta el pequeño caracol, quise colocar en el cuadro todo lo que me gustaba. Durante nueve meses estuve pintando siete u ocho horas al día. Sufrí terriblemente, horriblemente, igual que un condenado”.

Joan Miró. Autoretrat, 1919. Obra de la colección particular de Pablo Picasso y que conservó durante toda su vida, al igual que el  Retrat d'una ballarina espanyola, 1921, que veréis en la siguiente entrada, ambas pinturas se encuentran en el Musée National Picasso-Paris.

Joan Miró. Pintura, 1930 y Pablo Picasso. Proyecto para un monumento a Apollinarie, Paris, 1928, Musée National Picasso-Paris.

 

Pablo Picasso. El beso, Juan-les-Pins, verano de 1925, Musée national Picasso-Paris.

 

Joan Miró. Flama en l'espai i dona nua, 1932 y Pablo Picasso. Gran desnudo en una butaca roja, París, 5 de mayo de 1929, Musée national Picasso-Paris.

 

Fotografía realizada por Jacqueline Picasso. Joan Miró, Pablo Picasso, Emili y David Fernández Miró, Mougins, 19 de agosto de 1968.

Con dos de las obras de Joan Miró que podemos ver en la exposición, el Autoretrat, 1919 y el Retrat d'una ballarina espanyola, 1921.

 

Joan Miró. Dona, ocell, estrella (Homenatge a Pablo Picasso), 1966-1973

Miró empezó esta obra en 1966 y la dio por finalizada el día de la muerte de Picasso,  el 8 de abril de 1973.

Sobre un fondo blanco, Miró representó las tres figuras esenciales de su lenguaje, en el centro, la mujer como un gran tótem, y a ambos lados, la estrella y el pájaro, que simboliza el enlace de la tierra con el mundo celeste

Logotipo del centenario Picasso, 1980, realizado por Joan Miró como homenaje a Picasso.
 

La exposición cuenta con más de 250 obras, que provienen de colecciones tanto públicas como privadas.

Escultura de Joan Miró, Dona-sol, 1966 y litografía de Pablo Picasso, Françoise con el pelo ondulado, Francia, 14 de junio 1946.

 

Pablo Picasso. Mujer embarazada, Valauri, 1949, Musée national Picasso-Paris y Joan Miró. Dona, 1968

 

Pablo Picasso. La mujer del cochecito, Valauri, 1950 y Pablo Picasso. La familia, Mougins, 30 de septiembre de 1970, Musée national Picasso-Paris.

Los Miró vienen al Picasso, los Picasso van a la Miró, un intercambio que como en un viaje está repleto de experiencias mágicas y enriquecedoras.

 

Puedes ver un interesentante video de la exposición clicando en el enlace

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Barcelona

diciembre 2023