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sábado, 3 de octubre de 2026

Espais Volart en Barcelona, con Josep Maria de Sucre y Romà Vallès

La Fundació Vila Casas, presenta en una de sus sedes de Barcelona, Espais Volart, una exposición temporal, concebidada como un homenaje a dos artistas contempóraneos: Josep Maria de Sucre, 1886-1969 y Romà Vallès, 1923-2015. Dos pintores de distinta generación, unidos en la defensa de la libertad, la experimentación y la renovación del arte catalán.
 
Con Josep Maria de Sucre. Activista i artista visionari, descubrimos la obra de un gran artista, que como reflejan las piezas que se exhiben en esta exposición, siempre fue un avanzado de su época.
 
Son inconfundibles sus rostros, retratos y máscaras, de aspecto inquietante, que nos interpelan.
La exposición es también un homenaje a de Sucre, en su doble condición de artista, y de mecenas espiritual para muchos de los artistas de la primera posguerra en Catalunya.
 
Romà Vallès. L'horitzó abstracte, presenta un recorrido a través de sus obras, en especial de las que realizó a partir de 1955, cuando concibió su primera obra abstracta, fruto de su viaje a París, donde entró en contacto con el informalismo europeo.
 
Ambas exposiciones se podran ver hasta el 17 de enero del 2027. 
 
Los dos artistas fueron amigos durante la posguerra y en la exposición se muestran las pinturas que se dedicaron mútuamente. 

 Aquí tenemos el conjunto de dibujos que Josep Maria de Sucre dedicó a Romà Vallès.
 
 
Y aquí la obra que Romà Vallès dedicó a su amigo Josep Maria de Sucre, en el año 2009, con el título
  Homenatge a De Sucre 
 

Fotografía de Josep Maria de Sucre a la entrada de su exposición, en la planta baja de Espais Volart.
De Sucre, fue autodidacta, pintor, poeta, crítico de arte, jurista, traductor e impulsor de las carreras artísticas de otros artistas. 
 

Fotografía de Romà Vallès, que además de ser un referente pictórico del informalismo catalán, fue un gran pedagogo.
 
 
Muchas de las obras más características de de Sucre, guardan una relación con las máscaras primitivas, el románico y las cabezas que pintaban Edvard Munch y Paul Klee. 


Figura femenina, obra de Romà Vallès, del 1954
 
 
Detalle de uno de los Collages (1964-1966), que representan:
"fragmentos de la realidad, sobre pinturas abstractas".

Crit, 1961
Esta obra recuerda a la celebre pintura de Munch y también conecta con el expresionismo y el existencialismo de la posguerra.
 
 

 Detalle del Crit, 1961
 

A la izquierda podemos ver la primera obra abstracta, que Romà Vallès realizó en 1955, después de su estancia en París del 1954.
 

Romà Vallès, incorpora en sus Collages, fotografías,y recortes de prensa con temas de la actualidad en aquellos momentos, una nueva manera de percibir la realidad y denunciarla a través de sus obras.
 
 
Jordi, siente gran admiración por la obra de Josep Maria de Sucre, aquí lo vemos contemplando la obra:
Angoisse au XXème siècle, 1942 
 

 Ytambién por la obra de Romà Vallès, a quien hace años, tuvo el privilegio de entrevistar en su estudio.
Cosmogonies, de la sèrie matèrica, 1956
  
 

Cuatro de las obras de Josep Maria de Sucre en la exposición y el reflejo de las mismas, en el pavimento oscuro y pulido, del que fuera almacén textil y de encajes,  construido entre 1904 y 1907, de la familia Volart, y que en la actualidad acoge a los Espais Volart.
 

 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
        22 septiembre 2026
 
 
  Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado
 

domingo, 27 de septiembre de 2026

Exposición temporal de Anselm Kiefer en el CAHH de Valencia

La sede del Centro de Arte Hortensia Herrero, ubicada en un antiguo palacio barroco del siglo XVII, el Palacio Valeriola, acoge una exposición temporal de Anselm Kiefer. Es la primera exposición en la ciudad de Valencia del artista alemán que nació en 1945, en la localidad de Donaueschingen y a quien se considera una de las figuras mas influyentes del arte contemporáneo internacional.
 
La exposición, monumental e inédita, ocupa seis de las galerías del centro de arte, en las plantas baja, primera y tercera, proporcionando una immersión en las obras de Kiefer, que asombran por su monumentalidad y volumen. 
 
La historia, el paisaje, la mitología y la literatura, se entrelazan en sus obras, con un característico universo simbólico particular.
 
En sus obras encontramos materiales diversos, paja, ceniza, tallos secos, plomo, tierra, hormigón, acero, oro...
 
En 2007, recibió un encargo para una instalación permanente en el Museo del Louvre.  
 
 
 
Exterior del Palacio Valeriola, que acoge la exposición temporal de Anselm Kiefer,y que podrá visitarse hasta el próximo 25 de octubre.
 

Danaë
Es una de las obras más grandes realizadas por Kiefer, con más de trece metros de ancho, por cuatro de alto.
El autor reproduce el interior del aeropuerto de Tempelhof en Berlín y a la vez hace referencia al mito de Danae, representado por una lluvia dorada que cae sobre el cuadro.
El aeropuerto había sido diseñado como símbolo arquitectónico del régimen nazi y fue el edificio más grande del mundo, hasta que se construyó el Pentágono. Durante el bloqueo soviético a Berlín occidental, se utilizó por los aviones aliados para llevar ayuda humanitaria. 
 
 
 
Danaë solo se había expuesto previamente en Nueva York en el 2022 y es la primera vez que viaja de vuelta a Europa. 
Según la mitología grieta, Zeus se transformó en lluvia dorada para visitar y fecundar a Dánae,  
que estaba recluida en una torre para evitar que tuviera descendencia. En la obra la lluvía representa el peso de la historia sobre el recinto hoy en día abandonado.
 

Des Malers Atelier, 2016-2025
Representa uno de los pabellones de cristal situados en La Ribaute, la antigua fábrica de seda que se encuentra cerca de Barjac, Francia y que el artista convirtió en su estudio y residencia desde el 1992 al 2020.
 

Dryad, 2025
Una obra reciente que podemos ver en la exposición.
 

Detalle de Dryad, donde vemos la imagen de la ninfa, protegiéndose entre los árboles.
El bosque y la naturaleza como regugios, son temas recurrentes en la trayectoria de las obras de Kiefer 
 
 
Himmel-Erde (Cielo-tierra), 1974
Es la obra más antigua que podemos ver en la muestra. Se trata de un paisaje sobre el que el artista dibujó la silueta de una paleta de pintor que, según él mismo, representa:
 “la idea del artista conectando el cielo y la tierra".
  
 
Detalle de Böse Blumen, Las Flores del mal, 2012-2016
Es una de las obras que forma parte de la coleccción permanente del CAHH.
Se encuentra en la sala principal del centro de arte junto a otras dos obras de Anselm Kiefer.
Las flores, son otra de las constantes en su obra,  para el artista son:
 “un maravilloso memento mori” porque “florecen y, al mismo tiempo, ya se puede ver su decadencia”,
  

Walhalla, 2015-2017
Forma parte de la colección permanente del CAHH 
Esta obra une figuración y abstracción. En el 2015 creo varias pinturas con el paisaje de una ciudad, al no quedar satisfecho con el resultado, dos años más tarde colocó las pintura en el suelo y vertió plomo aridiendo sobre ella, Walhalla es el resultado de una de ellas.


Elektra, 2024
Obra inspirada en la mitología griega, donde como en Dryad, hay un rostro oculto en esta obra de casi seis metros de altura
 

 Detalle del rostro femenino en la obra Elektra, 2024
El rostro femenino parece exhalar hojas caídas, dando la impresión de que la naturaleza brota desde el interior del cuerpo. 
 
 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Valencia
        2 septiembre 2026
 
 
  Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado
 
      

lunes, 7 de septiembre de 2026

Picasso Chipre, Encuentros con la cerámica del Mediterráneo, en el Museu Picasso

Picasso Chipre, Encuentros con la cerámica del Mediterráneo, es una exposición temporal del Museu Picasso de Barcelona.

Se inauguró ya en el pasado mes de junio y se podrá visitar hasta el próximo 27 de septiembre.
 
Se realiza a través de un recorrido circular, que me ha sorprendido muy gratamente, ya que el nexo de unión entre Pablo Picasso y el arte antiguo de la isla de Chipre, se puede apreciar muy bien, contemplando las obras de Picasso y las exquisitas piezas, cedidas por el Departamento de Antiguedades de Chipre.
 
De entrada hay que destacar que Picasso nunca estuvo en Chipre y que conoció las antigüedades chipriotas a través de museos como el de El Louvre o en publicaciones especializadas de su época.
 
A través de toda su trayectoría artística Picasso asimilaba y transformaba las obras que contemplaba y le interesaban de una manera especial.
 
En el caso del arte antiguo chipriota, le fascinaron los aspectos formales y los simbólicos, la fusión de las figuras humanas y animales. 

A lo largo de la exposición, podemos realizar un viaje a la isla de Chipre y a sus orígenes culturales.
Las piezas de cerámica chipriota dialogan con las obras de Picasso y nos impactan las conexiones entre ambas.
 
Una exposición, que se puede considerar única, por su contenido, por la belleza de muchas de las piezas expuestas, tanto las antiguas, de procedencia arqueológica y autor anónimo, como las modernas, creadas por el pintor malagueño. 
 
"Pienso que, en el arte, no hay ni pasado ni futuro, si una obra no puede vivir siempre en el presente, no hace falta tenerla en cuenta."
Pablo Picasso 

 
Cartel anunciando la exposición, a la entrada de la muestra en el Museu Picasso.
 

Caras de una mujer,  Faces of Woman, 1950
Esta cerámica de Picasso,  recuerda a la cerámica chipriota de la edad de bronce, que vemos en el segundo plano de esta fotografía y que está datada entre el 2100-2000 aC.
 
 

 
 
 
Detalles de figuras de mujeres mediterránes, terracotas antiguas chipriotas, que comparten el espacio con las obras de Picasso. Son muchos los siglos de diferencia entre estas figuras y las obras del pintor malagueño.
 
 
 
Cazada capturando las imágenes de las esculturas en las vitrinas de la exposición.
 
 
Pieza de cerámica de estilo geométrico, con decoraciones de sexifolia, en su parte superior y peces de perfil, elementos característicos de Chipre y otras zonas del mediterráneo.
 

Figura de toro del siglo VII a C,
 
 
Fotografía de Douglas Duncan, con Picasso comiendo pescado. 
Unos restos de comida que luego servirían para crear un plato decorado con la espina del pescado.
 
 
Jordi Viader posa delante de la fotografía de Gjon Mill,  
Picasso con máscara de minotauro
 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
10 junio 2026
 
 
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sábado, 5 de septiembre de 2026

La botánica en el arte. Las plantas en las colecciones del Museo del Prado

Era fácil que un título como este llamara mi atención. La oportunidad de ver esta exposición en el CaixaForum de la ciudad de Girona, terminaba el domingo 23 de agosto y todo cuadró para llegar y disfrutar de mi querida Girona: el viaje en tren, una reserva en un buen restaurante, murales que no había visto y como colofón, poder ver obras de arte del Museo del Prado relacionadas con plantas y flores.
 
El valor simbólico de las plantas ha estado y sigue estando presente en el mundo del arte. Los mensajes aparecen a través de flores, plantas, árboles o motivos vegetales. Nuestra mirada, aumenta la sensibilidad ante la obra que observamos. 

La exposición incluye fotografías botánicas de Paula Codoñer, que facilitan la identificación de las especies representadas en las obras. En el recorrido también había dispositivos que permitían oler aromas de algunas de las plantas que aparecían en los cuadros.
 
Son un total de 53 obras que el Museo del Prado ha cedido para realizar una muestra, que tiene un impacto que afecta a todos nuestros sentidos. Se incluyen obras de pintura española, flamenca, italiana y francesa, con el elemento común de las especies botánicas.
 
Os muestro detalles de las obras a las que dediqué más tiempo.
 
 
Detalle de la obra Maria Magdalena leyendo, del pintor flamenco Adriaen de Isenbrandt, 1525
 

 Bodegón de flores, 1633-1666
Jan Van Kessel el Viejo 
 
 
Las varas altas que destacan en esta obra son del gordolobo, Verbascum thapsus.
 Pertenece a la obra La Crucifixión del pintor flamenco Juan de Flandes, datada entre 1509-1519.
 

El clavel, Dianthus caryophyllus, es una de las flores más representadas en las obras de arte.
En este caso el clavel, se encuentra en un jarrón.
 Es una vánitas de Jacques Linard, que representa que todo termina, lo que hoy florece mañana estará marchito.
 
 
 
Clavel en la mano de la infanta María Antonia Fernanda de Borbón, 1750
Jacopo  Amigoni
Aquí el clavel es símbolo de amor y testimonio del matrimonio.
 

 La piel de este limón, me impactó por su forma y su relieve
No era una flor, sino un fruto el que retenía mi admiración por este bodegón.
 

Pequeñas flores de pensamientos salvajes, Viola tricolor, que forman parte del cuadro 
La Virgen con el Niño, santos y ángeles
Obra de Jan van Eyck (y su taller) 

 
La diosa Flora, S XVII
Del taller de Peter Paul Rubens 
Representa a la deidad romana de la primavera y los jardines. Lleva una corona con una delicada girnalada de flores y en la mano sostiene una flor blanca.


Puesto de flores, 1887
María Luisa de la Riva y Callol de Muñoz
Una obra especialmente delicada. Merecía la pena detenerse a contemplar los detalles  

 

 
Desde las flores en los jarrones de cristal transparente, a la regadera o a las flores de las calas, Zantedeschia aethiopica

 
San Jerónimo 
Jacob Corneslisz van Oostsanen 
El borde lobulado de las hojas de un roble, destacan tras el rojo intenso de la ropa del santo.
 
 
 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Girona
agosto 2026
 
 
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