Mostrando entradas con la etiqueta Exposiciones. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Exposiciones. Mostrar todas las entradas

jueves, 25 de septiembre de 2025

ANTONI CLAVÉ, AMB MAJÚSCULES, en el Palau Martorell

Después del primer contacto con la retrospectiva ANTONI CLAVÉ, AMB MAJÚSCULES, en en el Reial Cercle Artístic, visitamos la exposición que tiene lugar en el Palau Martorell y que puede visitarse hasta el próximo 16 de noviembre.
 
En el año 1996, visité con Jordi, una gran antológica de Antoni Clavé (1913-2005), en el edificio de La Pedrera y tras el recorrido, compramos una litografía que vendían en la muestra y que tenemos en nuestro comedor desde entonces.
 
Las piezas expuestas entre los dos espacios son más de 80. La mayoría de ellas son de coleccionistas privados. Algunas proceden de administraciones públicas y unas pocas de entidades privadas.
 

 El Palacio Martorell acoge la parte más amplia de exposición retrospectiva. Distribuida en cinco secciones temáticas, entre cronológicas y geográficas, con la producción del artista desde los años treinta a los noventa del pasado siglo XX.  
 
 
 
 
Los Carteles de los años 30, destacan con títulos bien diversos:
 El signo de la muerte / ¿Y ahora qué? / Barrio Chino y el de la Señora Casada del 1935.
 
En sus años como cartelista, Clavé llegó a realizar hasta cinco carteles cada semana, que eran expuestos para promocionar películas, en fachadas y vestíbulos de cines de Barcelona.
 
 
Caballero sur fond noir, 1965, homenaje de Clavé a El Greco.
 
Antoni Clavé, se trasladó a París el día que cumplía 26 años, el 5 de abril de 1939.
En París, como muchos de los artistas exiliados, conoció a Pablo Picasso, con el que estableció una relación de amistad. Fue allí donde se consolidó como artista y es partir de entonces, cuando abandonó su etapa figurativa, para evolucionar cada vez más hacia la abstracción.
 
En el 1956, realizó su primera exposición en España, en concreto en la Sala Gaspar de Barcelona.
Antoni Clavé, fue uno de los primeros artistas contemporáneos que expuso en 1978, en el Musée National d'Art Moderne-Centre Georges Pompidou.


Llegamos al piso superior del Palau y a través de una de las ventanas vemos la imágen de Antoni Clavé, que nos saluda vestido con un kimono. Era un gran enamorado de Japón, país en el que estuvo en dos ocasiones, en 1972 y 1986, exponiendo sus obras en diversas ciudades como Tokio, Osaka y Hakone.
 
 
Las obras inspiradas por su estancia en Japón, se caracterizan por la incorporación de collages geométricos y sellos japoneses, los denominados hankos.
  

En el 1984, se celebró la 41ª Biennal de Venecia y el Pabellón Español estuvo dedicado íntegramente a Antoni Clavé.
 
 
Triptico para el Ayuntamiento de Barcelona, 1992. 
Obra realizada para para conmemorar el 1.100 aniversario de la ciudad.
 
 
En octubre del año 1989, Antoni Clavé estuvo unos días en la ciudad de Nueva York, una ciudad que también se convirtió en fuente de inspiración para sus nuevas obras.
 
 
Jordi observando una de las obras de Clavé que más le gusto, Drôles de guerriers, 1983
 
 
Puedes conocer a María Sanmartí, la madre de Antoni Clavé, en la entrada del blog de agosto del 2024, clicando en el enlace
 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona 
20 septiembre 2025
 
  Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado

 
 

 
 

domingo, 21 de septiembre de 2025

ANTONI CLAVÉ, AMB MAJÚSCULES, en el Reial Cercle Artístic

Una nueva exposición llega este mes de septiembre a la ciudad de Barcelona.
 
Se trata de ANTONI CLAVÉ, AMB MAJÚSCULES-ANTONI CLAVÉ CON MAYÚSCULAS, que se puede visitar hasta el próximo 16 de noviembre. Y se celebra para conmemorar los veinte años del fallecimiento de Antoni Clavé (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, 2005).
 
Las obras se presentan en dos espacios: el Palau Martorell y el Reial Cercle Artístic, en colaboración con los Archivos Antoni Clavé de París.
 
Aunque el espacio del Reial Cercle Artístic, es un complemento al del Palau Martorell, nosotros hemos empezado al revés, primero hemos recorrido este espacio más reducido y en unos días iremos al Palau Martorell.
 
Algo que destaca en el trabajo de Antoni Clavé a lo largo de los años, es su versatibilidad, tanto en sus disciplinas artísticas, escultura, pintura, grabados, placas de grabado, escenografía, como en los materiales utilizados,  desde el cartón y los papeles, hasta el aluminio y el carborundo.
 
La técnica que también dominó, es el ensamblaje (assemblage), que le permitía incorporar objetos cotidianos a sus obras.
 
Las obras que más llamarón mi atención fueron:  


Jacques et Nathalie, 1968
Hormigón polimérico, yeso y madera


Detalle de Jacques et Nathalie, 1968
 
 
 
Detalle de una escultura a través de la que podemos ver el ensamblaje de Jacques et Nathalie

 
 
Roy de copas, 1966
Un tapíz de 200x180 cm
 
 

Detalle de una escultura de bronce con dos grabados al fondo
 

 
 
 
 
Varios detalles de tres de sus obras, donde podemos observar la diversidad de los materiales utilizados por Antoni Clavé, una de las figuras fundamentales del arte del siglo XX.
 
Puedes conocer a María Sanmartí, la madre de Antoni Clavé, en la entrada del blog de agosto del 2024, clicando en el enlace
 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona 
20 septiembre 2025
 
  Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditad
 

 

jueves, 31 de julio de 2025

Crecer entre dos artistas. Homenaje a Claude Picasso

Esta exposición temporal del Museo Picasso de Barcelona tiene un toque especial  Los protagonistas son Claude Picasso, hijo de Pablo Picasso, y su madre, la artista Françoise Gilot.

La exposición Crecer entre dos artistas. Homenaje a Claude Picasso, podrá verse en el Picasso de Barcelona hasta el próximo 26 de octubre.

Nos muestra un material facilitado por Paloma Picasso, quien tras la muerte de su hermano Claude, se ha convertido en la gestora única de los derechos de explotación de la obra de su padre,  y piezas del propio Museo Picasso de Barcelona.
 
El punto de partida es una fotografía familiar, de Claude y Paloma junto a sus padres, Pablo Picasso y Françoise Gilot, en Vallauris.


La visión que nos ofrece el recorrido por este periodo concreto de la vida de Pablo Picasso, es a la vez íntima y excepcional.
Claude Ruiz Picasso nació el 15 de mayo de 1947, en Boulogne-Billancourt y falleció el 24 de agosto del 2023, solo dos meses después de que lo hiciera su madre Françoise Gilot, con 101 años.
Claude trabajó durante su vida como fotógrafo, empresario y realizador.  
 
 
Figuras recortables que se encuentran en uno de los apartados del recorrido y que hace referencia a los juguetes.
 

Cuatro perfiles en sombras chinas, 7 de septiembre de 1952, una de las varias obras inéditas que pertenece a una colección particular y que forma parte del cartel que anuncia la exposición.

 
Claude Ruiz-Picasso, fue el tercero de los hijos de Picasso. 
El primero de sus hijos fue Paulo Picasso, 1921-1975, nacido de su matrimonio con Olga Jojlova. El segundo hijo, fue una mujer, Maya Widmaier-Picasso, 1935-2022, nacida de su relación con Marie-Thérèse Walter. 
Su cuarto hijo fue también una mujer, Paloma Picasso nacida en 1949, la hermana de Claude. 
 
 
Los padres de Claude y Paloma, se separaron en 1953, Claude tenía seis años y Paloma cuatro.
 
En 1964 Françoise Gilot publicaría el famoso libro Vida con Picasso, una memoria de sus diez años juntos, en los que lo describe como dominante, sexista y cruel. La publicación de libro, alejaría a Claude de su padre, hasta el momento de la muerte de Picasso.
 
 
La Guenon et son petit - La mona con su cría, de 1951
La cabeza de La mona con su cría, de Pablo Picasso, que son dos coches contrapuestos, está inspirada en un coche de juguete que Picasso robó a su hijo Claude.

 
Para mi la gran sorpresa de la exposición, la constituyen las obras que por primera vez se presentan en España, de Françoise Gilot. Gilot una creadora con una amplia trayectoria artística, reconocida internacionalmente.
 
 
En la exposición vemos obras de Gilot, entre el expresionismo y el cubismo, como La leción de lectura, un óleo sobre un plafón de madera.


La mesa del jardín con Claude de 1952  
 
 
Claude y Paloma jugando con una pelota, 1952
 
 
Y este Retrato de familia Françoise Gilot, Pablo Picasso y Claude.
 
 
De Claude Picasso, destaca un documental dirigido por él, Atelier 74, con unas imágenes espectaculares del taller casi intacto de La Californie, que Picasso abandonó en 1961 para instalarse en Mougins con Jacqueline, la que fuera su última esposa.
 
Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería
Barcelona
julio 2025
 
  Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.
 

 

 



 

domingo, 6 de julio de 2025

Helen Frankenthaler en el Guggenheim de Bilbao. Pintura sin reglas

En los últimos cuatro años he "descubierto" a artistas plásticos que hasta entonces me eran desconocidos.

He incluido algunas de las entradas de este blog relacionadas con estos "descubrimientos".
 
Comparto los enlaces, porque todos ellas han constituido alimento para mis sentidos.
 
 

 
 
 
 
En mi última visita a Bilbao, le ha llegado el turno a un nuevo "descubrimiento", el de Helen Frankenthaler, con su exposición Pintura sin reglas en el Guggenheim de Bilbao, que podrá visitarse hasta el próximo 28 de septiembre.
 
 
 
Pared abierta (Open Wall), 1953
Óleo sobre lienzo 
 
Helen Frankenthaler desempeñó un papel esencial en la transición del Expresionismo Abstracto a la Pintura de Campos de Color y es conocida por haber inventado la técnica: "Soak-Stain" - Empapar y manchar.
 
Helen Frankenthaler nació en 1928 en la ciudad de Nueva York, sus primeros estudios de arte, tuvieron  primero un enfoque tradicional y después se decantó por la abstracción, falleció en Darien, Connecticut, en 2011.
 
Tras la posguerra Frankenthaler, estuvo en contacto con figuras claves de la Escuela de Nueva York y ella misma también apostó por la experimentación.  
 
En relación a la experimentación y en palabras del comisario de la exposición Douglas DreishpoonNunca daba nada por sentado y si fracasaba, un fracaso podía convertirse en una nueva idea. Una experimentación que practicó a lo largo de seis décadas.

 

 
Desde los primeros momentos de la exposición me sedujeron los colores de las obras de Helen Frankenthaler, en especial los de su obra Tutti-Frutti, 1966 y me encantó dejarme envolver por ellos.
 
 
 
 
En la exposición sus pinturas, un total de 27, comparten espacios con esculturas, 3 realizadas por la propia artista y el resto de otros creadores que formaban parte de su círculo de amistades.
 

Aquí tenemos en primer plano la escultura de David Smith
Retrato del halconero (Portrait of the Eagle’s Keeper), 1948-49.


En este caso la escultura, titulada Mesa Matisse (Matisse Table) de 1972, es de la propia Helen Frankenthaler. 

 

El lenguaje propio de Frankenthaler se siguió manifestando a lo largo de las décadas en que realizó sus trabajos.
De la década de los 80 tenemos la obra
Contemplando las estrellas (Star Gazing), 1989 
 
 


 Dos detalles de la fotografía-mural de Helen Frankenthaler, en su estudio y que se encuentra en la sala donde se exponen sus obras

 
Conduciendo hacia el este (Driving East), 2002
Acrílico sobre lienzo, es una de sus obras de la década del 2000


Sumergida en su obra
Ocean Drive West #1, 1974
Acrílico sobre lienzo 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Bilbao
junio 2025


Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado
 

 

viernes, 27 de junio de 2025

Chiharu Shiota My House is your House en Bilbao

En esta ocasión llegué a Bilbao, tras los hilos rojos de Chiharu Shiota, para visitar su exposición 
My House is your House- Mi casa es tu casa
que hasta el próximo 28 de septiembre, se puede ver en el Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao.
 
Chiharu Shiota nació en Osaka, Japón, en el año 1972 y reside en Berlín. Esta es su primera muestra monográfica en Euskadi y está comisariada por la historiadora del arte Tereza de Arruda. Se trata de un recorrido desde los inicios de la artitsta, hasta sus últimas instalaciones, con obras que no se habían exhibido nunca.

Chiharu Shiota es conocida y reconocida, por sus monumentales instalaciones tejidas con hilos de lana, cuyos entramados invitan a sumergirse en un mundo poético y onírico.


El color rojo es el rey de la exposición, un rojo que seduce y envuelve con sus historias y sus contenidos.
En el Atrio de la Alhóndiga, se ha llevado a cabo una instalación monumental, Internal line,  con 13 vestidos rojos que representan a seres ausentes, simbolizados a través de sus vestidos suspendidos. A su vez la tela hace las veces de casa, una casa símbolo de protección y afecto para el ser humano.
 
 

En la planta inferior al atrio se encuentra la Sala de Exposiciones, con diversos espacios.
 
Entramos primero en The inside and the Outside, una especie de gruta de lana, donde caminamos entre la red de hilos rojos, ventanas colgadas entre ellos y dibujos de personas que han querido participar en la muestra.
 
Se trata de un entramado característico de las instalaciones de Chiharu y que tanto me gustan.

Este tipo de instalaciones permiten que los visitantes percibamos y pensemos de forma propia, que lleguemos a reflexiones personales y tomemos conciencia de nuestra fragilidad.
 

 
 Los objetos suspendidos entre los hilos, representan presencias ausentes, evocan la fragilidad de la vida y el poder de la memoria.
 
Toda esta parte de estructuras de lana es efímera porque cuando finalice la exposición, desaparecerá.
Según  Chiharu:
Solo quedará en el pensamiento y la memoria de quienes se adentren en ella. 
 

 

En las salas 3 y 4, podemos ver grabados y dibujos que representan a un ser conectado al universo por un hilo que simboliza el cordón umbilical o el comienzo de la vida antes del nacimiento.
 
 
 
Fotografías de una performance que hizo en 1994, además de dibujos de bocetos de sus esculturas y grabados.  
 

El cuerpo y la fragilidad, la enfermedad, son temas recurrentes en las obras de la artista.
 
 Esta instalación que se denomina Fuera de mi cuerpo, fue realizada con tiras de cuero teñidas de rojo sobre el molde de los pies en bronce de la artista, fue la única que recuerdo haber visto en Chiharu Shiota. Cada quien, un universo, que se realizó el año pasado, en el ahora denominado Museu Tàpies.
 

 
 
El cuerpo, la fragilidad y la enfermedad son preocupaciones arraigadas en el arte y en la vida de la artista
 
 
También determinados objetos, como el caso de la puertas, ventanas o maletas
 
 
Siguiendo el recorrido y de nuevo en la entrada a la sala de exposiciones, rodeamos la gran estructura metálica de la casa cubierta con una piel de hilos entrelazados de lana roja, que ha levantado Chiharu Shiota.
El rojo es el color que simboliza la vida, la energía y el sol en la cultura japonesa, se le conoce como "aka".
 
 

Encontramos también una estructura con infinidad de muebles pequeños, casitas de muñecas y otros pequeños objetos, interconectados entre ellos por lanas rojas.
 
 
 
 
 

 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Bilbao
junio 2025


Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado
  

 

 

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...