Maria Sanmartí, mare d'en Clavé, en la Fundació Palau

Últimamente las entradas en este blog, tienen a muchas figuras femeninas artistas, como protagonistas. En este año 2024, he compartido escritos sobre Eva Fàbregas, Fernande Olivier, Suzanne Valadon,
Chiharu Shiota y Susana Solano, sin olvidar la exposición MAESTRAS en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, repleta de obras de grandes mujeres artistas.

 

En esta ocasión, el turno es para Maria Sanmartí, "la mare d'en Clavé". Maria, fue una artista tardía que empezó a pintar a los 60 años y estuvo en activo entre 1947 y 1959. Sus primeras obras las firmaba como “Maria Sanmartí, mare d’en Clavé”. Su hijo era el artista Antoni Clavé (Barcelona, 1913-Saint Tropez, Francia, 2005) a quien ella llamaba "el pintor".

 

Maria Sanmartí, nació en Barcelona en el año 1886, en el barrio del Raval, en una familia humilde y murió en París en 1959.

 

La supervivencia o resilencia, cómo también diríamos hoy en día, de una persona, capaz de adaptarse y superar las situaciones adversas, con resultados positivos, es claramente el caso de Maria, que tras una enfermedad crónica, que le había paralizado un lado de su cuerpo, no pudiendo levantar ni mover su brazo derecho,  sin que ello fuera obstáculo para seguir adelante con su vida y la de su hijo, y superar las dificultades.

 

Al finalizar la Guerra Civil Española (1936-1939), su hijo Antoni Clavé marchó al exilio y se instaló en París, donde su madre lo acompañaría desde 1942. 

Esta exposición, además de mostrar diversas obras de la artista, nos cuenta su historia y a través de ella, permite rendirle homenaje y reconocer el valor de sus pinturas y cerámicas.

 

Puerta de acceso a la Fundació Palau en la localidad de Caldes d'Estrac, donde podemos ver la exposición temporal Maria Sanmartí, La inocencia del trazo, hasta el próximo 15 de septiembre, que cuenta con Aitor Quiney, como curador.

 

 

El año 1947, la vida de Maria tomo un giro importantísimo. Su nieto, Jacques, que entonces tenía cinco años, le regaló un dibujo que le había hecho. Maria correspondió al regalo con otro dibujo, realizado por ella misma. Era su primer dibujo.

 

Retrato de Maria Sanmartí,  realizado por su hijo el pintor Antoni Clavé.

 

Los amigos artistas de su hijo, la animaron a pintar y ella misma nos explica que "pintaba hojas y hojas, poseida por el demonio del color".

 

 Su trazo era ingénuo y el hecho de pintar con la mano izquierda, hacía que plasmar sus obras en el papel le supusiera un esfuerzo importante. Los amigos de su hijo, entre los que se encontraba Josep Palau i Fabre, la animaban a pintar, a pesar de no tener conocimientos técnicos de pintura, y lo que empezó en 1947 como algo casual, no dejó de dar frutos hasta su muerte.

Josep Palau i Fabre, escribió sobre la obra de Maria:

"El caso de Maria Clavé parece confirmar las posibilidades humanas del milagro. Salvar al niño que hay en nosotros es la primera condición para salvar al hombre."

  

La mayoría de sus primeras obras fueron con la técnica del guaix, y representaban, entre otros, interiores de habitaciones, jarros con flores, escenas de circo o paisajes.

 

Los reflejos de las escaleras del edificio de la Fundació Palau se proyectan en esta obra, una escena cotidiana

 

 

Aquí tenemos a uno de sus jarros con flores que podemos ver en el recorrido de la exposición

 

Cartel de la exposició de Maria en la Place Vendôme de París en 1949.

 

 

Cartel de la exposició de Maria en Basel en 1958, junto a la obra que lo ilustró

 

 Algunos de los bodegones que se pueden ver en la exposición de la Fundació Palau

Puedes leer un artículo de Xavier Montanyà, en el diario digital VilaWeb, clicando en el enlace. 

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Barcelona

8 agosto 2024

  Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

 

 

 

 

Tuan Andrew Nguyen, Nuestros fantasmas viven en el futuro

Hasta el pasado sábado 22 de junio, Tuan Andrew Nguyen, era  para mi un artista totalmente desconocido. Sin embargo, fue leer el artículo que Mercè Ibarz, publicó en VilaWeb y despertarse en mi, un gran interés por conocer su obra.

 

Desde el 10 de mayo del 2024 y hasta el 24 de septiembre, se puede ver en la Fundació Joan Miró de Barcelona, la exposición Nuestros fantasmas viven en el futuro del artista vietnamita-estadounidense,  Tuan Andrew Nguyen, que nació en Saigón en 1976 y que es el ganador del Premio Joan Miró, 2023, en su octava edición, exposición comisariada por Martina Millà, jefa de exposiciones de la fundación. 

 

El Transformar bombas en arte, alquimia de la reparación, con el que se encabezaba el artículo, era sugerente, me vino a la mente la comparación de este titular, con el de la transformación en el proceso del duelo, y que refleja su final, una transformación de nuestra identidad y de nuestras relaciones, un recuperar la esperanza, por tanto una alquimia de la reparación.

 

Al día siguiente fui hasta la Fundació Joan Miró a visitar la exposición, me esperaban unas composiciones con piezas móviles realizadas por Tuan Andrew Nguyen y cuatro espacios donde visionar unas instalaciones de videos impactantes, dos de ellos producidos por el propio artista y dos más que complementan la exposición al cien por cien.

 

 

Tras el acceso al interior de la exposición, encontramos las esculturas elaborada por Tuan, que incluyen  bombas y materiales de artilleria utilizados durante la guerra de Vietnam, desde explosivos que no llegaron a explotar, que se funden y se convierten en láminas, hasta de obuses que han recuperado de los campos y que pueden llegar a ser campanas. 

Transformar objetos que fueron creados para destruir en objetos con valor estético, de nuevo aparece la transformación, equiparable a la que sucede en un proceso de duelo.

 

Hay una referencia clara en las esculturas móviles de Tuan Andrew Nguyen, a la obra de Alexander Calder, que fue un claro oponente de la guerra de Vietnam. Son esculturas cinéticas inspiradas, como Tuan explica, en Alexander Calder.

Un código QR, nos da acceso a poder escuchar los sonidos que originan los platos y tubos colgados de la estructura móvil, un sonido que emite una frecuencia de 432 hertzs y que se considera que tiene unas propiedades sanadoras. Puedes escucharlo clicando en el enlace.

 

Los reflejos de las piezas móviles son diversos, invitan a la introspección. Los móviles te interpelan y también te invitan a jugar con ellos.

 

 

Pararse a mirar el detalle, acercar el objetivo y dejar volar la imaginación. Las esculturas han dejado de ser únicamente el material del que están formadas, para pasar a tener una esencia.

 

Las obras en la exposición conectan Vietnam, Estados Unidos, Francia, Senegal y Marruecos.

 

 

 

Los videos muestran el impacto que han tenido las guerras en Vietnam a lo largo del siglo XX, tanto en las personas que las han padecido como en sus descendientes. 

 

Los dos primeros vídeos guardan relación con la guerra americana de Vietnam (1955-1975) y los otros dos con la Guerra de Indochina (1946-1954), con la que Vietnam logró la independencia del colonialismo francés.

 

La primera instalación es The sounds of cannons familiar like sad refrains, 2021 -Los sonidos de los cañones familiares como estribillos tristes-. Me resultó muy impactante oir la voz de una bomba sin explotar, una bomba que habla y recuerda sus vivencias, su pasado y su futuro,  mientras es enterrada y detonada.

La segunda instalación, The unburied sounds of a troubled horizon, 2022, -Los sonidos insepultos de un horizonte turbulento-, es una película donde se narra la historia de una mujer vietnamita, reencarnación de Calder, que se gana la vida con la venta de los materiales de las bombas, que visita un templo donde se encuentra con una campana especial, una carcasa de una bomba, de nuevo un ejemplo de transformación de su función inicial en la guerra, en sonidos de paz y armonía. 

Explica la película que el monje del templo cogió la bomba, quitó el TNT y la colgó como una campana, para recordar a las personas que "sí una bomba tiene compasión, también nosotros tendríamos que tenerla".

 

Sentarse en el centro de una sala y estar atenta a los mensajes de las cuatro pantallas, atrapa, son tres historias diferentes, en este caso de mujeres vietnamitas y de sus parejas, hombres senegaleses que lucharon en Vietnam durante la guerra Indochina y que regresan al Senegal al finalizar la guerra, y de sus descendientes, sus hijos y sus nietos.

 

Entrada a la instalación del video Puerta de Marruecos, que cierra la exposición y donde una mujer de madre vietnamita y padre marroquí, le dirige una carta a su padre muerto, una carta narrada con un gran poder evocador y sanador.

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Fundació Joan Miró

Barcelona

junio 2024

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La luna de Lotus, Ōtagaki Rengetsu, en el Monasterio de Pedralbes

La Luna de Lotus es una exposición de arte y poesía de la monja budista Ōtagaki Rengetsu (1791-1875) que podemos visitar en el Monasterio de Pedralbes de Barcelona hasta el 17 de abril del próximo 2022.

Entrar en la exposición de Ōtagaki Rengetsu es sumergirse en un mundo de calma, belleza y serenidad, que proporciona la visión de su obra artística, cerámicas, caligrafías y pinturas propias o en colaboración con otros artistas de su tiempo en Kioto.

Ōtagaki Rengetsu a los 33 años había sufrido la pérdida de sus dos maridos y de cinco hijos y a partir de entonces decidió consagrar su vida al budismo y adoptar el nombre de Rengetsu, literalmente "Luna de Loto".

               Rengetsu combinaba sus poemas caligrafiados "waka" con pinturas que los ilustraban 

"Entre los prados, flores y rosada, yo me adormilo, ¿quien es el que sueña con esta mariposa?

"En nuestro mundo hay quien madura bien como la berenjena; que gozo tan agradable para uno mismo el hacerlo así"

Rengetsu creaba unas piezas de cerámica de una belleza exquisita y estaban en general decoradas con sus propios poemas 

En Japón se considera a Ōtagaki Rengetsu como a una de las mujeres calígrafas más destacadas de la historia del arte de Japón, muchos de sus poemas están montados en rollos verticales para poder ser colgados,  como los que podemos contemplar en la exposición.
 

Las piezas de cerámica son de todo tipo de objetos de la vida cotidiana y para la práctica de las ceremonias de té  cha-no-yu y sencha.

Artículo en catalán en el diario digital VilaWeb, puedes clicar en el enlace para leerlo, escrito por Xavier Montanyà

 

Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería 

Barcelona

 diciembre 2021

 

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