MAESTRAS, con mayúsculas, en el Thyssen-Bornemisza

MAESTRAS, con mayúsculas, es el título de la exposición que en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, se está celebrando desde el pasado 31 de octubre del 2023 y que finalizará el próximo 4 de febrero.

 

La responsable de esta exposición, que se encuadra dentro de los actos culturales programados con motivo de la Presidencia expañola en el Consejo de la UE, es Rocío de la Villa.

La exposición colectiva presenta un recorrido de cinco siglos, desde el XVI a los comienzos del XX, en el camino de emancipación de las mujeres, presentada desde una perspectiva feminista.  Más de un centenar de obras, entre pinturas, esculturas, obras sobre papel y textiles. Las creadoras han sido mujeres cuyas obras han pasado del borrado a la luz. Aunque algunas fueron celebres en su tiempo, hoy todas son reconocidas como maestras. Abordaron temas importantes en sus épocas, se posicionaron y aportaron su mirada nueva y alternativa.

La exposición está vertebrada en ocho secciones, donde las mujeres ya sea como artistas, galeristas o mecenas, tienen una finalidad: liberarse del patriarcado.

En concreto, dos de las secciones se centran en obras sobre Sororidad, mientras que en las restantes los temas son la Botánica, la Ilustración, el Orientalismo y el costumbrismo, los Trabajos y cuidados, las Nuevas maternidades y la Emancipación.

 

 

Al inicio de la muestra, en la primera de las secciones Sororidad I. La Causa de las mujeres, encontramos esta impresionante obra de Artemisa Gentileschi, Judit y su criada, (1618-1619), una representación del personaje histórico de Judit.

 

La segunda de las secciones, Botánicas, conocedoras de maravillas, tenemos entre muchas otras, esta obra de  Catharina Backer, Naturaleza muerta con flores (antes de 1711). Un exquisito bodegón con dos flores azules de gencianas de montaña y flores de malvarosa o malva real con insectos incluidos.

 Las ilustradoras botánicas, reinvidicaron su conocimiento de las plantas junto a exquisitos detalles de mariposas e insectos.

 

 

 

Mi interés particular hace que a partir de aquí, comparta fotografías de obras posteriores a las secciones de la Ilustración, Orientalismo y Costumbrismo, y os muestre directamente fotografías de obras de: Trabajos y cuidados, Nuevas maternidades, Sororidad II y Emancipación.

 

En esta obra de Marie Petiet, Las lavanderas, (1882), se muestra la complicidad de las mujeres, en este preciso momento, donde trabajan juntas y pertenece a la sección de Trabajos y cuidados.

Tambíen de la sección de Trabajos y cuidados, es esta obra de Lluïsa Vidal, Las amas de casa (1905)

 

En el sexto espacio, Nuevas maternidades, se abarca la temática femenina por autonomasia, la de la maternidad. Encontré preciosa esta aportación de Tamara de Lempicka, Maternidad, (1932),

 

Y también preciosa esta obra de  Suzanne Valadon, Marie Coca, sobrina de la artista y su hija Gilberte, (1913), donde se invierten los viejos modelos de abnegación y mistificación de la maternidad, para dar paso a una realidad en ocasiones dura y díficil de los cuidados de nuestros hijos.

 

Una tercera obra de Nuevas maternidades que comparto es esta obra de Mary Cassatt, Desayuno en la cama, (1897).

 

La sexta sección Sororidad II, habla de la amistad entre mujeres, como la que queda reflejada en la obra de  Maruja Mallo, La mujer con la cabra, (1927).

 

Escultura en primer plano de Marie Cazin, Muchachas, (1886), al fondo pintura de María Blanchard, Las dos hermanas, (1921).

 

De la última parte de la exposición, Emancipadas, me han gustado especialmente esta obra de Ángeles Santos, Niña (Anita y las muñecas), (1929)

La de Frida Kahlo, Niña tehuacana. Lucha María, (1942).

Helene Funke, En el palco, (1904-1907).

Alice Bailly, Detalle de El té, (1913-1914).

 

Maruja Mallo, La Verbena, (1927).

 

Como cierre de la exposición dos Verbenas de la pintora española Maruja Mallo, donde muestran la felicidad de unas mujeres que conquistan más derechos y presencia en lugares públicos.

 

Vídeo de la exposición Maestras, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, puedes verlo clicando en el enlace

Vídeo de Diario Público de Maestras, Las mujeres se cuentan a si mismas, puedes verlo clicando en el enlace

 Video de Maestras, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de J. Egido R,  que puedes verlo clicando en el enlace

 

Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería

Madrid

13 enero 2024

 

Suzanne Valadon. Una epopeya moderna

De la exposición MAESTRAS, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que tuve la oportunidad de visitar el pasado mes de enero,  quedaron en mi recuerdo diversas obras, algunas de las cuales, destaqué en una entrada anterior en este blog, con el título MAESTRAS, con mayúsculas, en el Thyssen-Bornemisza.

 

Una de ellas fue la obra de la artista Suzanne Valadon, Marie Coca y su hija Gilberte, 1913. Como comenté, la interpretación de la obra es que se invierten los viejos modelos de abnegación y mistificación de la maternidad, para dar paso a una realidad en ocasiones dura y díficil de los cuidados de nuestros hijos.

 

No sabía en aquellos momentos, que a los pocos meses podría visitar en Barcelona, una exposición con Suzanne Valadon de protagonista y organizada por el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya,  en colaboración con el Centre Pompidou-Metz y el Musée d'Art de Nantes, se trata de "Suzanne Valadon. Una epopeya moderna".

 

En la exposición actual, se revisa la figura de esta artista postimpresionista, que nació en 1865, que a los cinco años se trasladó a vivir con su madre al barrio de Montmartre de París y que se convirtió en pintora en el París de la Belle Époque, habiendo sido con anterioridad musa de diversos artistas, Pierre Puvis de Chavannes, Renoir, Tolouse-Lautrec, Santiago Rusiñol, André Utter, Degas...

 

El nombre de Suzanne, había sido Marie-Clémentine. Se cuenta que Tolouse-Lautrec, que fue amante de Suzanne durante unos meses, le cambió el nombre por el de Suzanne, haciendo alusión al episodio bíblico, de que posaba desnuda para los viejos.

En esta fotografía, vemos a Suzanne ante la obra expuesta en la exposición MAESTRAS en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Marie Coca, sobrina de la artista y su hija Gilberte, (1913), que se encuentra en el
Musée des Beaux-Arts de Lyon y que se exponía en MAESTRAS.

 

 

Mi manera particular de acercarme a algunas de las obras de Suzanne, fue captando diferentes flores que aparecen en los cuadros de la exposición, para entrar en los detalles, sin perder la visión general de sus obras, desde los retratos a los desnudos.

Fue de las primeras mujeres artistas, -no podemos olvidar que ya lo hicieron algunas desde finales del Renacimiento hasta el siglo XIX, como Artemisia Gentileschi y Lavinia Fontana-, que se atrevieron a pintar desnudos masculinos y femeninos.

 

 

La muestra reúne más de un centenar de obras, tanto suyas como de artistas contempóraneos catalanes y franceses. 

 

 

Pintora, dibujante y grabadora, estuvo en contacto con Matisse, Degas, Ramon Casas, Rusiñol y Miquel Utrillo quien fue pareja de Suzanne durante varios años y adoptó y dio su apellido al hijo de Suzanne, el pintor Maurice Utrillo. 

 

En la exposición podemos contemplar algunos de los autorretratos que realizó Valadon. Los elaboró con diversas técnicas: pastel, oleo y lápiz. En los diferentes autorretratos, podemos observar su propia autopercepción desde la juventud a la edad madura.

En sus obras tambíen combinaba flores con retratos.

 

 

Valadon aprendió sola a dibujar, durante un largo camino de diez años, en los que llegó a crear su propio estilo.

Degas fue uno de los artistas que observó su pintura y le prestó ayuda tanto a nivel técnico como de difusión de sus obras.

 

 

Suzanne Valadon falleció en París en 1938. A su entierro asistieron Picasso y Braque. Sus restos se encuentran en el cementerio de Montmartre.

 

 

En la zona final de la exposición encontramos varias de sus obras de desnudos, que experimentó en diferentes composiciones. En primer plano vemos una escultura en yeso de Matisse y al fondo los cuadros de Valadon.

 

Esta obra, La habitación azul de 1923, que se encuentra en el Centre Pompidou, Musée national d'art moderne - Centre de création industrielle de París, fue la 

primera obra de Valadon que adquirió el Estado Francés, en 1924.

 

Puedes ver un excelente resumen de la exposición en el video de Climent Vilella Capallera, clicando en el enlace 

 

Interesante video de la escritora Ángeles Caso en una conferencia en Youtube sobre Suzanne Valadon: El arte y las mujeres libres en la Fundación Mapfre de Madrid, puedes verlo clicando en el enlace

 

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

MNAC, Barcelona

5 mayo 2024

  Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

 

Tres días en Madrid

Una estancia de tres días en la ciudad de Madrid, ha dado para mucho. Aunque las visitas a las exposiciones y a algunos de sus museos hayan sido el eje principal, también han habido momentos para disfrutar del paseo por sus barrios, descubrir obras de Street Art, saludar a la Julia de Jaume Plensa, visitar el interior de la Iglesia de San Antonio de los Alemanes, ver la puesta de sol desde el Templo de Debod, saborear el bocadillo de calamares y tomar sabrosos platos peruanos y delicados platos japoneses.

Os invito a pasear conmigo reviviendo mis experiencias.

En un plisplas, llegamos de la estación de Sants de Barcelona a la de Atocha en Madrid, Me recibieron nada más y nada menos que dos de las esculturas de mi admirado Antonio López.  Se tratan de El Día y la Noche, conocidas también como Carmen despierta y Carmen dormida. Constituyen la primera obra escultórica de carácter monumental de Antonio López,  que se exhiben en un espacio público.

Junto a la Carmen despierta, escultura de la nieta del artista y bien abrigada me sentía preparada para iniciar mi marcha por la ciudad.

 La primera exposición que nos esperaba era magnífica, Picasso 1906, la gran transformación,  en el Museo Reina Sofía

Además de la visita a la exposición temporal de Picasso, hicimos una de más rápida, por las diferentes salas del museo, El Guernica, era obligado. Llevé mi atención a este detalle del cuadro, el de la madre clamando al cielo por la muerte de su hijo en el bombardeo. Vinieron a mi mente imágenes de madres llorando la muerte de sus hijos en el terrible conflicto entre Israel y Gaza, una vez más me aparecía la frase: En las guerras todos perdemos.

Saludar a Julia, la obra escultórica de Jaume Plensa, en la plaza de Colón, es reencontrarme con la calma y la paz que siempre me transmiten muchas de las obras de Plensa. La decoración en este caso de las coles ornamentales, en los alrededores de la plaza, le daban un contraste especial a la pureza del blanco de la escultura.

 

Justo en el espacio que hay debajo de la escultura de Plensa, en el Centro Cultural de la Villa, nos esperaba la exposición Amazônia, Sebastião Salgado. Sus fotografías en blanco y negro, tanto de la selva amazónica como los retratos de las mujeres, hombres y niños de las tribus indígenas que ha visitado Salgado, eran excepcionales.

 

La puesta del sol en el Templo de Debod, no cumplió con mis expectativas. El sol se fue poniendo por el horizonte e intenté captar sus rayos a través de las construcciones del templo, pero conseguí poco más de lo que muestra esta imagen.

El tempo egipcio de Debod es del SII a.C y fue donado por el gobierno egipcio al Estado Español en 1968, en agradecimiento a su colaboración para salvar varios templos de que quedaran inundados tras la construcción de la gran presa de Asuán.

Fui a buscar el mural de Case Maclaim al Pasaje de la Caja de Ahorros y me resultó todavía más imponenente de lo esperado. Allí estaba la primera obra de este artista alemán realizada en Madrid en el 2021, para la Feria Internacional del Nuevo Arte Contemporáneo. Un mural que sorprende por su factura y por su mensaje, su título es La fabulosa historia de ser diferente.

También sabía donde se encontraba el mural, que la artista británica Helen Bur, había realizado como homenaje a dos mujeres. A su madre, escultora, que realizó la escultura que sostienen las manos del mural cuando Helen era pequeña y a su amiga argentina Hyuro, Tamara Djurovic, que murío en el 2020 en Valencia, ciudad donde residía y donde muchas personas la recuerdan con admiración.

Hubo tiempo tambíen para visitar el interior de la Iglesia de San Antonio de los Alemanes, una joya barroca fundada por Felipe III a principios del S XVII y donde destacan los frescos de su interior, realizados por diversos artistas, destacando los de Luca Giordano.

Del emblemático Edificio Capitol teníamos una excelente vista desde nuestro hostal. Construido entre los años 1931 y 1933, es un icono de la ciudad. Su anuncio de la Schwepps se ilumina desde el año 1972.

Este edificio ha sido pintado por Antonio López a lo largo de diferentes años. Puedes verlo en la entrada que le dediqué con motivo de su exposición en Barcelona, donde figura la obra:  Fragmento de Gran Vía, 1974-1981, clicando en el enlace y de la cual nos dice el artista:

 "Una obra nunca se acaba, sino que llega al límite de sus propias posibilidades"

 

 

Al regreso de nuestro viaje a México y de la visita a las diversas ruinas arqueológicas mayas, se despertó mi interés por conocer alguna cosa más de los objetos arqueológicos prehispánicos, por lo que la visita al Museo de América, fue un complemento muy enriquecedor.

Aquí vemos un fragmento de la denominada Estela de Madrid, un bajaorrelieve con vetas de pintura roja y negra. Procede de Palenque, la ciudad que visitamos bajo la lluvía y que si quieres recordar, puedes ver clicando en el enlace.

En el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, también había una exposición temporal dedicada a Pablo Picasso: Picasso, lo sagrado y lo profano en commeración de los cincuenta años de la muerte del artista. Son cuarenta obras donde Picasso dialoga con los clásicos.

Lo excepcional para mi en esta ocasión, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, fue la exposición MAESTRAS. Le dediqué una entrada, que puedes recuperar clicando en el enlace. Hay muchas obras geniales y por fin reconocidas, me quedo con esta de María Blanchard, Las dos hermanas, (1921), como un homenaje particular a mis hijas Bàrbara y Cristina.

Paseando por Madrid y muy cerca de la última de las exposiciones que visité, como iba a perderme una exposición con obras de Monet!!!!, os muestro esta imagen de la fuente de la diosa Cibeles y a su carro tirado por dos leones.

 

Entrada a la exposición de Monet. Obras maestras del Musée Marmottan, que se podrá visitar hasta el próximo 25 de febrero y de la que en pocos días haré la entrada en este blog.

Entrada blog Monet, obras maestras del Musée Marmottan, puedes verla clicando en el enlace.

 

Gracias por acompañarme 

 

Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería

Madrid

Enero 2024

Monet. Obras maestras del Musée Marmottan

La pintura impresionista siempre me ha fascinado y Claude Monet (París, 14 de noviembre de 1840 - Giverny, 5 de diciembre de 1926) es su representante más destacado, y el pintor de este movimiento, cuyas obras me gustan más. Sus cuadros de flores, -nenúfares, glicinias, iris, amapolas, hemerocallis, peonias-, me tienen el corazón robado.

Mi pasión por Monet y sus obras viene de lejos, desde que en 1992 se organizó en el Palau de la Virreina de Barcelona, la exposición "Monet a Giverny", con obras realizadas de 1903 a 1926. Para mi fue extraordinaria.

En cuanto tuvimos los billetes para el viaje en tren desde Barcelona, hice rápidamente la compra de las entradas para ver la exposición de Obras maestras del Musée Marmottan Monet de París. Me hacía mucha ilusión.

La exposición cuenta con más de 50 obras realizadas entre 1870 y los primeros años del Siglo XX. Monet pintó sus nenúfares en Gibernay hasta los últimos días de su vida. Me encantaría visitar Gibernay, "quizás algún día!" Me gusta pensar.

La exposición en el recinto CentroCentro ubicado en la Plaza de Cibeles de Madrid, se podrá visitar hasta el próximo 25 de febrero,

Retrato de Monet pintado por Pierre-Auguste Renoir en la década de 1870. Ambos pintores eran amigos y viajaron juntos en varias ocasiones, Monet conservó esta pintura en su colección personal.

 

 

El tren en la nieve. La locomotora (1875), paisaje nevado de la estación de tren de Argenteuil, que se encuentra en las afueras de París, a Monet le gustaban especialmente lo trenes y sus estaciones.

 

Detalle de la obra Paseando cerca de Argentuil, 1875. En un campo de flores vemos a la mujer de Monet,  Camille,  y detrás la figura de un hombre que casi se funde en el paisaje.

 

Claude Monet estuvo durante el verano de 1870 en la playa de Trouville, en Normandía. Allí pintó en esta obra a su esposa Camille, en compañía de una familiar, donde logra una fusión entre el ambiente y el tema.

 

Casas rojas bajo la nieve en BjÖnrnegssrad, Noruega, donde Monet y su segunda compañera Alice, vivieron durante unos meses en 1895.

 

Nenúfares (1916-1919), Monet trabajaba con varios cuadros a la vez, desde las primeras horas del día hasta que anochecía.

Monet pintó varias series de vistas del Parlamento de Londres. Aquí tenemos un detalle de El Parlamento. Reflejos sobre el Támesis, fechado en 1905. Sus estudios del agua y los reflejos del sol fueron una constante en el tiempo que permaneció en la ciudad.

 

"Lo que necesito son flores, siempre".

 Claude Monet

En la década de 1920 Monet dedicó series de pinturas a El paseo de las rosas en su jardín de Gibernay. El elemento distintivo es el arco situado en el centro de la composición cubierto de flores trepadoras. Estas series nunca se expusieron en vida de Monet, son obras testimoniales cercanas a la abstracción

 

El puente japonés de madera, se contruyó poco después de que se creará el jardín acuático de Gibernay en 1893, conviertiéndose en el protagonista de muchas de sus obras.

También mandó construir una pérgola sobre el puente para cultivar glicinias.

 

 La pintura de las glicinias, era uno de los temas favoritos de Monet. El origen es esta planta ornamental se encuentra en el extremo oriente. Monet pintó las glicinias entre los años 1919 y 1920.

 

 Nenúfares pintados por Monet en una serie de paneles monumentales, realizados entre 1914 y 1926 y que donó al Estado Francés para celebrar el final de la Primera Guerra mundial.

 

"He pintado infinidad de nenúfares, cambiando siempre de punto de vista, modificándolos según las estaciones y adaptándolos a los distintos efectos de la luz que crea su cambio. Y el efecto cambia sin cesar, no sólo de una estación a otra, sino también de un momento a otro. El elemento básico es el espejo del agua, cuyo aspecto cambia a cada instante al reflejarse en él los destellos del cielo, que le dan vida y movimiento. Para lograr algo de este cambio continuo, hay que tener cinco o seis cuadros en los que trabajar al mismo tiempo y hay que pasar de uno a otro, volviendo rápidamente al primero en cuanto reaparece el efecto interrumpido".

 

Claude Monet, febrero 1918, Revista La Revue de l'Art Ancien et Moderne.

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Madrid

14 Enero 2024

Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.