Suzanne Valadon. Una epopeya moderna

De la exposición MAESTRAS, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que tuve la oportunidad de visitar el pasado mes de enero,  quedaron en mi recuerdo diversas obras, algunas de las cuales, destaqué en una entrada anterior en este blog, con el título MAESTRAS, con mayúsculas, en el Thyssen-Bornemisza.

 

Una de ellas fue la obra de la artista Suzanne Valadon, Marie Coca y su hija Gilberte, 1913. Como comenté, la interpretación de la obra es que se invierten los viejos modelos de abnegación y mistificación de la maternidad, para dar paso a una realidad en ocasiones dura y díficil de los cuidados de nuestros hijos.

 

No sabía en aquellos momentos, que a los pocos meses podría visitar en Barcelona, una exposición con Suzanne Valdon de protagonista y organizada por el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya,  en colaboración con el Centre Pompidou-Metz y el Musée d'Art de Nantes, se trata de "Suzanne Valadon. Una epopeya moderna".

 

En la exposición actual, se revisa la figura de esta artista postimpresionista, que nació en 1865, que a los cinco años se trasladó a vivir con su madre al barrio de Montmartre de París y que se convirtió en pintora en el París de la Belle Époque, habiendo sido con anterioridad musa de diversos artistas, Pierre Puvis de Chavannes, Renoir, Tolouse-Lautrec, Santiago Rusiñol, André Utter, Degas...

 

El nombre de Suzanne, había sido Marie-Clémentine. Se cuenta que Tolouse-Lautrec, que fue amante de Suzanne durante unos meses, le cambió el nombre por el de Suzanne, haciendo alusión al episodio bíblico, de que posaba desnuda para los viejos.

En esta fotografía, vemos a Suzanne ante la obra expuesta en la exposición MAESTRAS en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Marie Coca, sobrina de la artista y su hija Gilberte, (1913), que se encuentra en el
Musée des Beaux-Arts de Lyon y que se exponía en MAESTRAS.

 

 

Mi manera particular de acercarme a algunas de las obras de Suzanne, fue captando diferentes flores que aparecen en los cuadros de la exposición, para entrar en los detalles, sin perder la visión general de sus obras, desde los retratos a los desnudos.

Fue de las primeras mujeres artistas, -no podemos olvidar que ya lo hicieron algunas desde finales del Renacimiento hasta el siglo XIX, como Artemisia Gentileschi y Lavinia Fontana-, que se atrevieron a pintar desnudos masculinos y femeninos.

 

 

La muestra reúne más de un centenar de obras, tanto suyas como de artistas contempóraneos catalanes y franceses. 

 

 

Pintora, dibujante y grabadora, estuvo en contacto con Matisse, Degas, Ramon Casas, Rusiñol y Miquel Utrillo quien fue pareja de Suzanne durante varios años y adoptó y dio su apellido al hijo de Suzanne, el pintor Maurice Utrillo. 

 

En la exposición podemos contemplar algunos de los autorretratos que realizó Valadon. Los elaboró con diversas técnicas: pastel, oleo y lápiz. En los diferentes autorretratos, podemos observar su propia autopercepción desde la juventud a la edad madura.

En sus obras tambíen combinaba flores con retratos.

 

 

Valadon aprendió sola a dibujar, durante un largo camino de diez años, en los que llegó a crear su propio estilo.

Degas fue uno de los artistas que observó su pintura y le prestó ayuda tanto a nivel técnico como de difusión de sus obras.

 

 

Suzanne Valadon falleció en París en 1938. A su entierro asistieron Picasso y Braque. Sus restos se encuentran en el cementerio de Montmartre.

 

 

En la zona final de la exposición encontramos varias de sus obras de desnudos, que experimentó en diferentes composiciones. En primer plano vemos una escultura en yeso de Matisse y al fondo los cuadros de Valadon.

 

Esta obra, La habitación azul de 1923, que se encuentra en el Centre Pompidou, Musée national d'art moderne - Centre de création industrielle de París, fue la 

primera obra de Valadon que adquirió el Estado Francés, en 1924.

 

Puedes ver un excelente resumen de la exposición en el video de Climent Vilella Capallera, clicando en el enlace 

 

Interesante video de la escritora Ángeles Caso en una conferencia en Youtube sobre Suzanne Valadon: El arte y las mujeres libres en la Fundación Mapfre de Madrid, puedes verlo clicando en el enlace

 

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

MNAC, Barcelona

5 mayo 2024

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El Palau de la Música Catalana y algunas de sus 2000 flores

La propuesta por parte del Palau de la Música Catalana, de ofrecer durante la semana de la Fiesta de Sant Jordi, y por tanto, en Catalunya, también Fiesta de la Rosa y del Libro, una visita guiada especial, una Ruta de las flores, para descubrirlas al público, me pareció muy sugerente. 

 

Aunque he tenido la suerte de haber asistido en varías ocasiones a diversos conciertos en el Palau, e incluso a la ceremonia de graduación de mi hija Cristina, lo que me ha permitido a lo largo de los años de disfrutar de esta joya arquitectónica de Lluís Domènech i Montaner, tenía pendiente realizar una visita guiada. Realizarla, complentándola con información de sus flores, me pareció que era hacerme un autorregalo estupendo.

El Palau de la Música Catalana, fue construido entre 1905 y 1908. Fue un encargo al arquitecto modernista Lluís Domènech i Montaner, como sede de l'Orfeó Català y es la única sala de conciertos modernista, declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO.

 

La Naturaleza, con mayúscula, es la fuente inspiradora del edificio y de los diferentes elementos que lo integran, por lo que se le llega a denominar Jardín de Piedra.

 

En este jardín las flores son las principales protagonistas, -hay más de 2000-. Las encontramos en mosaicos, cerámicas, vidrieras y hierro forjado.

 

Podemos encontrar hasta 18 especies diferentes de plantas, representadas en flores y hojas, aunque la rosa, es sin duda la gran protagonista. 

 

Hay flores de campanillas, claveles, margaritas, lirios azules y de agua, hortensias, girasoles, amapolas, crisantemos y hojas de palma, laurel, acanto, pino, platanero, trébol, sauce y castaño de Indias.

 

Hay flores, sobre todo rosas, en la entrada del edificio, en la sala de conciertos, en las columnas, vidrieras y capiteles. En las barandillas de las escaleras, las flores y las hojas abundan y lucen con todo su esplendor.

Con las explicaciones, no por falta de buena voluntad de la guía, sino que porque considero que no estaba bien preparada la visita en sí, se pasaba de puntillas por la información de la simbología de las flores y su relación con el Modernismo y por tanto no llegó a cumplir con mis expectativas, por suerte la belleza del edificio y sus elementos suplió la falta de información y me sentí afortunada, contemplando tantas maravillas y haciendo fotografías.

También fui yo la fotografiada, la visita guiada incluía una fotografía, con una buena vista de la segunda planta de la Sala de Conciertos.

 

El arquitecto Lluís Domènech i Montaner, recibió en 1904 el encargo de l'Orfeo Català para la construcción del edificio, del que se colocó la primera piedra precisamente el día de Sant Jordi del año 1905.

 

Las obras se prolongaron durante tres años. En los años veinte, el edificio no estaba bien visto por los vecinos y lo llamaban con desprecio el palacio de la quincallería. Algunos arquitectos llegaron incluso a intentar su demolición, no puedo ni llegar a imaginar semejante disparate y que se hubiera podido perder una obra con una belleza y simbolismo como las de este palacio.

 

 

La espectacular claraboya de la sala de conciertos, es para mi la cumbre de la belleza del Palau. Con vidrios coloreados, forma de campana invertida y una tonelada de peso. Representan a un coro de ángeles femeninos rodeando al sol, es obra de Antoni Rigalt i Banch.

 

 

Lluís Domènech i Montaner, estaba obsesionado por la luz, haciendo que no solo la claraboya, sino toda la sala filtrara la luz exterior a través de unas magníficas vidrieras.

 

 

Detalle de uno de los caballos alados, en la parte posterior-superior de la Sala de Conciertos, obra de Eusebi Arnau. 

Loa caballos de las esculturas y de las amazonas cabalgando, de la boca del escenario, en representación de la Cabalgata de las valquirias, de Wagner, fueron realizados por Pablo Gargallo.

Ambos escultores colaboraron con Lluís Domènech i Montaner en la decoración del Palau.

 

 

Cerámica, vidrio y hierro forjado se combinan en la expresión de las flores.

 

 

Detalle de una de las columnas, ornamentadas con rosas, en la escalera de acceso al primer piso.

 

 

Detalle de una de las flores realizada en "trencadis", en una de las columnas de la balconada de la Sala Lluís Millet.

El trencadís es un mosaico creado con fragmentos de cerámica, básicamente azulejos, uno de los elementos decorativos característicos del genial Antoni Gaudí, que realizó entre otros lugares en el Park Güell, en colaboración con el también arquitecto Josep Maria Jujol. Puedes verlos en una entrada anterior, clicando en el enlace.

Todas las entradas en este blog sobre sobre el trencadís las tienes en el siguiente enlace.

 

 

 En cuanto a la identificación de las flores durante el recorrido de la visita, nos encontramos con las que claramente se podían identificar, como esta flor de cala o lirio de agua, o como en el caso de la anterior donde era la imaginación la que determinaba que pudiera ser una o otra flor.

 

Todas las columnas tienen diseños diferentes, las personas que saben de mi pasión por las flores, lo tienen fácil para entender la sonrisa que se reflejaba en mi cara.

Muestra de flores en las vidrieras de hierro forjado, dejo a la imaginación saber a que especie floral, real o imaginaria puede corresponder.

 

 

Y aparecieron los girasoles, en forma de lámparas en el techo del piso superior de la Sala de Conciertos.

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

 Barcelona

27 abril 2024

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Visitas culturales por Barcelona, La Maternitat

Hace pocos días hicimos un recorrido comentado con un guía, por el recinto de La Maternitat de Barcelona. 

Nos remontamos a finales del siglo XIX, para situarnos en los orígenes de la Nova Casa Provincial de Maternitat i Expòsits, dedicada a la acogida de niños abandonados y de madres solteras.

 

Fue en 1890, cuando a partir del proyecto del arquitecto Camil Oliveras, se iniciaron la construcción de los Pavellons de Lactància i Desmamats. Posteriormente en 1893 se construyeron otros edificios, dedicados a enfermedades infecciosas, lavanderia y por último el de la Maternitat. 

Puedes encontrar una amplía historia del Recinto de la Maternitat, que forma parte del fondo histórico de la Diputació de Barcelona, clicando en el enlace.

El punto de encuentro para realizar la visita, fue precisamente junto al mural que la gran dibujante e ilustradora Pilarín Bayés inauguró en marzo del 2022, en los muros exteriores del Pavelló Cambó, con seis metro de largo y dos de ancho.

El mural repasa los primeros años de la historia de la institución, que acogió a niños abandonados y a madres solteras. 

El mural a modo de retablo conforma una historia amable, que repasa los primeros años de la institución, con las figuras características y propias de Pilarín.

 

 

Edificio del Pavelló de Lactància o Mestral, construido en 1890, bajo la dirección del arquitecto Camil Oliveras, acogía bebés lactantes y a sus nodrizas, "didas". Tenía capacidad para 160 niños, menores de dos años, recogidos en la calle o abandonados en el torno.

Los antiguos pabellones y jardines de la Casa Provincial de la Maternitat i Expòsits de Barcelona, constituyen un importante conjunto patrimonial de arquitectura modernista.

 

 

La obra mural de Pilarín Bayés, es un plafón de porcelana, que surge de un dibujo en papel. 

Son cinco escenas que reproducen las tareas que se llevaban a cabo en los diferentes pabellones, y que están relacionadas con el cuidado de los niños y de las mujeres que acogía.

 

 

Pilarín Bayés, explicó en la inauguración del mural que: "Es un reclamo para que los niños que visiten la Maternitat conozcan con un lenguaje visual que les es cercano, la función originaria del recinto"

 

 

Los dibujos de Pilarín, nos dan una idea de lo que se vivía en la Maternitat en aquellos momentos concretos de la historia, cuando espacios de ese tipo eran muy necesarios.

 

La institución fue modélica en muchos aspectos en cuanto a sus infraestructuras. En sus pabellones se encontraban desde sala de esterilización, quirófanos, lavado mecánico de la ropa, solarium artificial a sala de incubadoras y desinfección de biberones.

  

Los murales de Pilarín Bayés i Luna, son una serie de murales de porcelana, que se encuentran repartidos, en diferentes municipios catalanes desde el 2018. Siguiendo el modelo de recrear la vida, los monumentos y las entidades culturales y sociales en cada uno de ellos.

 

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Recinto Maternitat de Barcelona

8 abril 2024

 

 

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La sequía en los jardines de Barcelona

He estado paseando por los Jardins Mossèn Cinto Verdaguer.  En el paseo han ido de la mano, por una parte mi necesidad de ver y fotografiar las flores primaverales que se encuentran en estos jardines, y por otra la tristeza por constatar como la sequía repercute también, en los parques y jardines de mi ciudad.

 

Estos jardines se construyeron sobre una antigua cantera y se inauguraron en 1970.

 

En el año 2011, cuando los visité por primera vez, era un mes de agosto y el escudo de la ciudad de Barcelona elaborado con flores, que se encuentra en la puerta principal de acceso a los jardines, lucía bien potente. En mi última visita, el pasado sábado, la desolación era evidente.

Era primera hora de la mañana y el espacio estaban poco concurrido, para lo que es habitual en un fín de semana, cuando se reunen ciudadanos de Barcelona y turistas que los quieren visitar, ya que figuran entre los jardines más populares de la ciudad.

Escudo de la ciudad de Barcelona a la entrada de los Jardines, el primero de agosto del 2011, el segundo del pasado 6 de abril del 2024.

 

Empecé deleitándome con las flores lilas y blancas de los Iris o Lirios morados y blancos, Iris germanica.

 

 

Una aproximación a un lírio blanco y un recuerdo para la pintora Georgia O'Kefee.

 

Irresistible para mi tambien acercar el objetivo, en este caso al lírio morado.

 

 Vista del estanque rodeado de cesped que se encuentra en la parte inferior de los jardines.

 

En la actualidad la mayoría de flores están rodeadas de mallas metálicas o de plástico. No se el motivo, mi impresión era como si ahora las flores estuvieran presas en un zoo.

 

Otra de las características de estos jardines son las parcelas de agua,  que constituyen pequeños estanques conectados, donde encontraremos, según la época del año, diferentes plantas acuáticas.

 

 

Lirio lila junto a uno de los estanques

 

 

Y puesta a aproximarme, tambien se lo merecía esta flor de Tritoma, Kniphofia praecox, que podeis ver también en todo su esplendor en el blog de Elvira Coderch, Flores y Palabras, clicando en el enlace.

 

Flores de Calas blancas, Zantedeschia aethiopica, Calla Lily, de las esencias florales de FES.

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Jardins Mossèn Cinto Verdaguer

6 abril 2024

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Chiharu Shiota. Cada quien, un universo

Recuerdo que el mes de julio del 2021, al acudir a una representación de una ópera en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, me encontré en la Sala dels Miralls, con una instalación que me sorprendió gratamente. Se trataba de la obra Last Hope de la artista japonesa Chiharu Shiota (Osaka, 1972).

Comenté en la entrada que publiqué en este blog que el arte efímero había pasado por la ciudad a través del espacio emblemático del Liceu, ya que la  instalación estaba destinada a desaparecer tras los días que duraba su exposición.  Complementé las fotografías con unas frases de Chiharu, que me gustaron especialmente. Mi admiración por Chiharu y sus obras había comenzado. Puedes recuperar la entrada clicando en el enlace.

A los pocos meses, en enero del 2022, en una visita a PLANTA el proyecto de la Fundació Sorigué, vi que una de las obras expuestas, era una instalación, en esta ocasión permanente, la primera en Europa, de Chiharu Shiota, In the beginning was..., frase del Evangelio según San Juan, que por un lado hace referencia a los orígenes de Universo  y por otro a los del grupo Sorigué.

 

La recorrí asombrada. Como visitante sentí, percibí y pensé la obra de una forma personal y única. La audioguía explicaba, que a través de la instalación se pretendía que tomaramos conciencia de nuestra propia fragilidad y sin duda que lo logró. Si quieres recuperar la entrada en el blog, Chiaru Shiota en Planta, haz clic en el enlace. 

Ha llegado hace pocos días, mi tercer contacto con las obras de Chiharu Shiota.

 

Con motivo de la celebración del Año Tàpies, desde diciembre del 2023 hasta diciembre del 2024, se han programado en Barcelona, una serie de exposiciones y actividades. Mi sopresa fue cuando el pasado jueves, 21 de marzo, me enteré de la presentación del diálogo inaugural de la exposición Cada quién, un universo de Chiharu Shiota y allí que me fui.

 

Tuve la suerte de poder asistir a la inauguración, conocer personalmente a Chiharu Shiota y quedar una vez más asombrada, con las dos instalaciones, dos pinturas sobre papel y cinco esculturas, que conforman la muestra. Todo un regalo.

En la instalación que se presenta en la Fundació Antoni Tàpies, se ha utilizado 2000 ovillos de lana de color rojo, que hace un total de 266 kilómetros de hilo.

Los hilos simbolizan a los vasos sanguíneos que tenemos en el interior de nuestro cuerpo y además simbolizan a las conexiones que nos vinculan con las demás personas, microcosmos y macrocosmos quedan de esta forma unificados.

 

Mientras un fotógrafo tomaba las fotos de Chiharu, jugué yo a hacer las mías, pensando en compartirlas en el blog.

Esta instalación se denomina Fuera de mi cuerpo, está realizada con tiras de cuero teñidas de rojo sobre el molde de los pies en bronce de la artista.

 

 

Por un momento los pies de la instalación y los de su autora estuvieron bien cerca. 

 

 

He podido encontrar en declaraciones a diversos medios algunas frases de Chiharu en relación a sus obras:

"Quiero conectarme con el universo. Después de mi diagnóstico de cáncer, pensé mucho en la muerte y me di cuenta de que la muerte no es el final sino un inicio, algo equivalente a la vida. Para mí es un nuevo estado de la existencia que te conecta a otro mundo. Así empecé a incorporar la muerte a mi obra, transformando el sufrimiento en algo nuevo que puedo compartir. Eso me da esperanza."

La segunda instalación de la exposición está compuesta por 43 sillas de segunda mano, todas diferentes y adquiridas en mercadillos de Catalunya.

Chiharu Shiota, realizó una exposición en la Casa Ásia de Barcelona hace diez años y visitó la Fundació Tàpies. La escultura que corona el edificio Núvol i cadira y las sillas de esta instalación se entrelazan y aúnan los nexos creativos entre Antoni Tàpies y Chiharu Shiota.

 

 

Señala Chiharu Shiota:

 “Los objetos en mis instalaciones siempre representan la existencia de un individuo y cuando miro las sillas veo a gente, todos sentados al lado entre ellos, pero cada uno es un universo en sí mismo”

"Memoria, objeto y cuerpo. Sin memoria no sabemos quiénes somos, perdemos nuestra identidad; ella incide en la importancia de la propia experiencia en el recuerdo. Los objetos, cotidianos y domésticos, que despiertan experiencias proustianas, como las sillas, que permiten preguntarnos de quiénes eran, quién se sentó en ellas, dónde estaba el bosque del que se taló la madera para construirlas… Y el cuerpo, donde se recogen los rastros de lo que provoca la presencia de memoria, o su ausencia, que provoca trauma". 

Aquí tenemos una de las esculturas de vidrio: "Célula". Parece un órgano envuelto en alambre.

"Con mi arte expreso el sentimiento de la fragilidad del cuerpo ante la experiencia de la muerte y el sufrimiento. Vivir comporta sufrimientos, forma parte de nuestra existencia".

 

 

Chiharu Shiota en el Diálogo inaugural de Cada quien, un universo, compartió el diálogo con la curadora y escritora Rosa Martínez y con Imma Prieto, directora de la Fundació y comisaria de la muestra.

 

Exterior del edificio de la Fundació Antoni Tàpies, con la banderola de la exposición

Cadasacú, un univers

Cada quien, un universo

Everyone, a Universe

 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería

Barcelona

21 marzo 2024

 

  Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.