viernes, 18 de abril de 2025

El Sultanato de Omán, en un recorrido de siete días

Durante siete días hemos visitado una parte del territorio del Sultanato de Omán. A lo largo del recorrido, que hemos realizado con un coche de alquiler, hemos vivido grandes contrastes y agradables sensaciones, que para mi se han hecho especiales a través del olfato. Tanto las mujeres, en su gran mayoría vestidas de negro, como en los hombres, vestidos de blanco con la dishdasha, desprenden un olor de agradables fragancias, olores que llegan también desde múltiples incensiarios, en tiendas y hoteles. Una curiosidad en relación a las fragancias, es que en Omán, se elabora el perfume más caro del mundo, Amouage, es su nombre, un perfume que cuida tanto la elaboración de sus componentes, como el de los envases que lo contienen.
 
Omán se encuentra en la península arábiga, tiene frontera con los Emiratos Árabes, el Yemen y Arabia Saudí. Su capital es Mascate, una ciudad de colores blancos y ocres rodeada de un paisaje árido y seco. Omán es el único país del mundo con una población que profesa mayoritariamente el ibadismo, una rama del islam no adscrita ni al sunismo ni al chiismo, que aboga por la tolerancia y el diálogo. Omán es un país respetado como mediador de conflictos. 
 
Comparto una primera entrada en el blog con las imágenes que reflejan mis momentos más especiales del viaje.



 En la ciudad de Mascate, destaca la Gran mezquita del Sultán Qaboos, una obra que finalizó su construcción el año 2001.
La suntuosidad de su interior es inmensa. Mi mirada se quedó atrapada, con los reflejos en una pared, de una de sus vidrieras y de sus lámparas de cristal. La lámpara central, era la mayor araña de cristal del mundo, hasta que llegó la de Abud Dabi, actual número uno. Y con los reflejos en el exterior, en las arcadas de uno de sus patios laterales.
 
 
 
En relación a los contrastes, aquí tenemos un ejemplo, desde la suntuosidad de la gran mézquita, al recorrido por las ruines de Birkat el Mouz, con sus casas de adobe, sus acequias y su palmeral.


 
También era díficil de imaginar y lo desconocía totalmente, que en un país donde el 82% del terreno es desértico, existieran cultivos, nada menos que de rosa damascena, la misma rosa que me llevó en mayo del año pasado al valle de las rosas de Kazanlak en Bulgaria


 
Los oasis son el contrasate extremo de los desiertos, reflejado en esta visita al pueblo del Vell Misfath.
 

 
La balconada de la ruta W6 es espectacular, pudimos estar nada menos que al borde de un acantilado de más de un kilómetro de profundidad. Caminamos un trecho del Cañón Jebel Shams, la montaña del sol, en la cadena montañosa de Al Hajar.
 
 

Fortalezas, fuertes y castillos son muy abundantes en el sultanato
Visitamos el Castillo de Jabreen, residencia de sultanes, de cinco plantas y 55 habitaciones.
 

 
Hicimos noche en el Desierto de Wahiba Sands, que es territorio beduino.
Siempre es agradable la vista de las dunas doradas y caminar sobre ellas, esperando la caída del sol.



 
La gran joya de Omán son sus wadis. Wadi en árabe significa valle o rio seco. Las épocas de lluvias hace que se inunden y queden pozas donde bañarse en aguas cristalinas y transparentes.
 

 El último día de estancia en Omán, nos regaló con la luna llena, la luna rosa de abril.
 
 
Texto y Fotografias: Pilar Vidal Clavería
Sultanato de Omán
  abril 2025

Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado. 

sábado, 29 de marzo de 2025

BOTERO, Un maestro universal, gran exposición en Barcelona

Es la segunda vez que acudo al Palau Martorell de Barcelona, la primera vez fue en enero del 2024, para ver la exposición de Marc Chagall, el color de los sueños
 
En esta ocasión el color es de nuevo el protagonista, a través de las llamativas obras del maestro Fernando Botero.
 
Fernando Botero, Un maestro universal, podrá verse en la ciudad condal hasta el próximo 20 de julio. 

Esta exposición de Botero, el artista colombiano que nació en la ciudad de Medellín en 1932 y murió en Mónaco en 2023, es un homenaje a su figura y a su obra. Un magnífico recorrido a través de un conjunto de 110 obras, donde podemos disfrutar de sus pinturas realizadas en diversas técnicas: óleos, acuarelas, sanguinas, carboncillos y dibujos a lápiz y también de sus esculturas de pequeño formato.

Las comisarias de la exposición son Lina Botero, hija del pintor, y Cristina Carrillo de Albornoz.
 
Las características más reconocibles de las obras de Botero, son sin duda sus volúmenes monumentales y sus colores siempre vibrantes. 
 
Sus pinturas denotan una influencia directa de grandes maestros de la pintura españolea e italiana. 

Su obra La Menina según Velázquez, que podemos ver en la exposición, estaba colgada en su estudio de París, y fue siempre muy especial para él. Otra obra significativa es Homenaje a Mantegna, que pertenece a una colección privada y que fue recientemente descubierta por su hija Lina, a través de Christie's.
 
El recorrido por las tres plantas de la exposición, nos pone en contacto y contexto, con sus diversas temáticas, las más festivas, el circo, la naturaleza muerta, la mitología, la religión y sus versiones de obras maestras de la historia del arte. Y tambien nos permiten descubrir unas obras menos conocidas, punzantes y terribles, como las que representan las torturas en Abu Ghraib, la prisión de Irak.
 
 
De entrada disfruté de las obras que celebran la vida a través de la música y el baile.
 

De los recuerdos de la Colombia provinciana de los años 30 y 40, que Botero plasma y transmite en muchas de sus obras.
 
 
Y de sus escenas de picnic, amables y distendidas
 
 
Esta obra, un pastel, es de su hijo Pedrito.
Pedrito, murió a los 4 años, como consecuencia de un accidente de camión durante una estancia del pintor en España. Esta obra es inédita, ya que nunca antes había abandonado el espacio familiar.

 
Fernando Botero decía, según explica su hija Lina, que quería morir como Picasso, con el pincel en la mano.
 
 
En esta obra no está con el pincel, sino con flores y llevé mi atención a diversas obras, donde las flores se encontraban en las manos de otros protagonistas.
 

 
 
 Como en, La Menina según Velázquez que
Botero no quiso firmar, porque según explica su hija Lina:
 "Era más de Velázquez que de Botero


Y en la María Antonieta según Vigee Le Brun. 

 
Y como no, quedé enamorada de sus flores de colores en su tríptico
Flores en amarillo, Flores en azul, Flores en rojo 
 

 
Perfil de una de sus esculturas de bronce frente al "Díptico Según Piero della Francesca"
 
 
Esta imagen de una madre llorando con su hijo muerto en brazos, me conmovió, mi pensamiento se fue a El Guernica de Picasso y a las tremendas fotografías de las madres de la todavía actual guerra de Gaza.
Madre e hijo, una obra del 2004, de una colección privada.



Las obras que reflejan la violencia en Colombia y en Abu Gharaib, la cárcel de Irak donde soldados, agentes secretos y contratistas militares estadounidenses, torturaron a prisioneros durante la ocupación del país liderada por George W. Bush, también conmueven y nos conectan con la parte cruel y la maldad del ser humano.

La serie de 60 pinturas y 100 dibujos sobre las torturas de los prisioneros, que realizó Botero de Abu Gharaib, se negó a venderlas, y las regaló a la biblioteca de la Universidad de California, Berkeley.

Durante más de un año no pudo hacer otra cosa. “Sabía que el arte no puede cambiar la realidad, pero sí dejar un testimonio. Quizás hoy nadie se acordaría de la tragedia de Guernica si Picasso no hubiera pintado su cuadro”, reflexiona Carrillo De Albornoz. 

 

 
Finalizo mi visión de esta espléndida restrospectiva de Botero, haciendo parada en sus cuadros de circo, un tema del que me gusta esta frase:
"Nada de lo que hacen es excesivo, porque siempre es todo posible”
 
Documental en Filmin, BOTERO, realizado en el 2019, cuatro años antes de su muerte.
Puedes ver el Trailer clicando en el enlace
 
Texto y Fotografias: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
27 marzo 2025

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domingo, 23 de marzo de 2025

Materia interior, Jaume Plensa expone en Madrid

Un buen madrugón, poco menos de tres horas en tren y ya estábamos compartiendo el bocadillo de calamares en el Bar El Brillante de Madrid.
 
¿Y cúal era para mi en esta ocasión, el aliciente cultural principal del viaje? La respuesta es fácil, la exposición Materia interior, Jaume Plensa en el Espacio Fundación Telefónica.
 
Inaugurada el pasado 17 de octubre, se podrá visitar hasta finales del mes de agosto. 

La exposición la componen 15 obras, a través de las cuales, podemos repasar la trayectoria de Jaume Plensa, durante más de 30 años.
 
Desde piezas como La Neige Rouge de los primeros años noventa, hasta obras actuales como la maqueta de Iris, del 2024, instalada en Distrito Telefónica.
 
Las creaciones de Plensa invitan a la reflexión y exploran la condición humana, ya sea en piezas abstractas, conceptuales o figurativas como las de sus trabajos más recientes. 
 
Los temas de Plensa son recurrentes y me atrapan cuando conectan comigo y con mi entorno, la fragilidad de la condición humana, lo efímero, el silencio, la espiritualidad, la comunicación y el lenguaje.
 
 
Me encontré con el rostro y el gesto de Rui Rui’s Words del 2021, que siempre me aporta tranquilidad. Se ha convertido en una de las figuras icónicas del artista y es una de las que más me gustan.

 
Después descubrí el rostro de Maria del 2018, invitando a la introspección. Al fondo vemos una de las cinco cabinas de Love Sounds de 1998.
 
 
Love Sounds es una instalación formada por cinco cabinas de alabrastro. Plensa recrea en su interior, el sonido de su flujo sanguíneo, un sonido que es el mismo para cualquiera de nosotros y que me llevó al recuerdo del sonido del corazón de mis hijas en las ecografías durante el embarazo o al de mi propio flujo sanguíneo, en alguna de las pruebas realizadas en mis revisiones del corazón.
 
 
En La Neige Rouge del 1991, tenemos hierro fundido transformado en luz y energía.
 

En una pequeña sala el agua es la protagonista. Plensa recurre a ella como vehículo narrador.
En la imagen tenemos un detalle de Freud’s Children, cinco piezas realizadas entre 2001 y 2002.
Manos o rostros fragmentados en los que se evoca a la psique humana y sus traumas y también al poder sanador y purificador que emana del agua.
 
 
The secret heart, del 2014.
 Un corazón de bronce pintado de blanco, representa un homenaje al texto  
Das Geheimherz der Uhr - El corazón secreto del reloj- de Elias Canetti
 
 
Las mallas de acero de los rostros inacabados de Invisibles del 2016, me aguardaban suspendidas en el aire.
 

Acercar mi mirada y el objetivo de mi cámara, contemplar lo que para Plensa es la metamorfosis del ser humano, el material permite el paso de la luz y sus reflejos se dispersan en la sala.
 
 
 

En palabras del autor:
El arte tiene que ofrecer un mensaje de esperanza y positividad, de volver a creer que el ser humano somos más que esta violencia actual.
 

Tras Invisibles, ocho pequeñas figuras de bronce se tapan los órganos que representan a los sentidos.
Se trata de Who are You? I-VIII, del 2016
 
 
Una de las nueve figuras realizadas en bronce con acero inoxidable, cuerda y pintura.
Se trata de Lilliput, serie realizada entre 2012 y 2020.
Aquí tenemos lenguaje a través de diversos alfabetos.
 
 
Maqueta de Iris, 2024, la pieza que Jaume Plensa ha realizado para Distrito Telefónica.

En palabras de Plensa:
"Hecha de alfabetos de muchas culturas, es una metáfora de la maravillosa diversidad del mundo en que vivimos.
La cabeza es el palacio del conocimiento"
 
Una sala, con personas de todas las edades, sentadas y de pié, acogía la proyección del documental de Pedro Ballesteros, ¿Puedes oírme?, realizado en el 2020. 
El documental puede verse también en la plataforma Filmin, clica en el enlace para ver el trailer
A través de emblemáticas instalaciones y piezas en espacios públicos, descubrimos la búsqueda de Plensa de relaciones armónicas entre sus obras, el entorno y los seres humanos.
 
 
Texto y Fotografias: Pilar Vidal Clavería
Madrid
9 marzo 2025

Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

 
 
 

jueves, 20 de marzo de 2025

Cuadros con flores en la pintura del siglo XX, en el Thyssen-Bornemisza

Las visitas a la ciudad de Madrid, tienen para mi una parada "obligada" y siempre enriquecedora al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
 
El Thyssen alberga una serie de obras que siempre me gusta volver a ver y además en los últimos años, algunas de sus exposiciones temporales, en concreto la de Georgia O'Keeffe en junio del 2021 y la de Maestras en enero del 2024, han sido dos joyas extraordinarias. 

El pasado domingo en mi recorrido por el museo, resaltó una de sus salas, la 38, ya que acogía seis obras dentro de: Cuadros con flores en la pintura del siglo XX.
 
La información que muestra el panel explicativo, en relación a la elección de esta temática, es que muchos artistas de la modernidad, han continuado haciendo pinturas de flores.
 
Las flores en sus obras les permiten hablar de la belleza del mundo natural y de la simbología de la vida y la muerte.
 
Los impresionistas, habían plasmado en sus obras de flores y jardines, sus impresiones fugaces de un momento suspendido en el tiempo. En constraste, los expresionistas posteriores a éstos, anhelaban provocar sentimientos perdurables. El color aplicado con pincenladas gestuales desempeñó un papel primoridal para explorar distintas emociones.
 
Entre las seis obras, podemos ver tres de Emil Nolde, atraido por la simbología de las flores, una de Beckmann, como evocación de su tensión emocional tras su huida de Berlín, al llegar el régimen nazi,  una de Matisse, donde lo esencial era su energía cromática, perteneciente a una etapa anterior al nacimiento del movimiento fauve y una de Ernst Ludwig Kirchner, fundador y principal impulsor del grupo expresionista alemán Die Brücke (El Puente).
 

La cala, 1914
 

Flores rojas, 1906
Emil Nolde (1867-1956) 


Jardín de flores, 1917
Emil Nolde (1867-1956) 


Girasoles resplandecientes, 1936
Emil Nolde (1867-1956)
 
 
Bodegón con rosas amarillas, 1937
Max Beckmann (1884-1950) 

Las flores amarillas, 1902
Henri Matisse (1869-1954) 
 
Además de mi interés por las flores de la sala 38, había otra sala en el museo, que capataría toda mi atención, la 46, allí estaba una de las flores de la artista Georgia O'Keeffe, su Lirio blanco número 7, extraordinario. 
 
La artista en relación a sus más de 200 composiciones florales, que dejó al morir,  publicó en un catálogo del 1939, este interesante  texto:
 
 «Bien, he conseguido que mires lo que yo he visto y cuando te tomas el tiempo de ver realmente mi flor adjudicas todas tus propias asociaciones sobre las flores a mi flor y escribes sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo».


Lirio blanco nº 7, 1957
 Georgia O'Keeffe (1887-1986) 
 
Y una última obra, como colofón de esta entrada de flores en el blog, es la pintura de Richard Estes pintor estadounidense conocido por sus pinturas hiperrealistas, enmarcado en el movimiento del fotorrealismo.

 

domingo, 16 de marzo de 2025

Impatiens en Citas y Arte urbano con las Flores de Bach

IMPATIENS

Aquellos que son rápidos de pensamiento y de acción y que desean que todo sea hecho sin vacilación y sin retraso. Los que en la enfermedad se sienten ansiosos por curarse rápidamente. Los que encuentran muy difícil ser pacientes con la gente lenta, pues lo consideran un error y una pérdida de tiempo, de forma que se empeñarán en hacer que esa gente sea más rápida en todos los aspectos. Con frecuencia prefieren pensar y trabajar solos, de modo que puedan hacer todo a su ritmo y su propia velocidad

Los doce sanadores

Edward Bach
 

Obra del artista Simple G, en Penelles (Lleida)

Publicado en la Revista 114 de Sedibac, Primer Trimestre 2025
 

Si pudieras decidir no hacer más trabajo del que puedes hacer con calma, tranquilidad, sin prisas o estrés y si en el momento en que empiezas a sentirte cada vez más nervioso y sin aliento te pararas y tomaras aire, encontrarías que esta simple regla de sentido común hace por ti lo que ninguna oración o lágrimas han hecho nunca por ti.

Elizabeth Prentiss

No te apresures, date tiempo. Cada persona tiene diferente capacidad de asimilación en cada momento. Deja reposar las ideas, las emociones; deja que todo germine y dé fruto en su justo momento. La precipitación y el el ansia rompen el proceso de evolución y crecimiento.

Elvira Coderch

La impaciencia destruye. Sed pacientes. La verdadera vida es el amor. Cuando amas, no puedes tener prisa. Debes ser paciente. Cuando estás en medio de una situación perturbadora, simplemente observa lo que está sucediendo. No seas grosero. No reacciones. Intenta darte cuenta de que el verdadero problema no es lo que está sucediendo, sino cómo estás reaccionando ante ello. Cuando veas que vas a reaccionar negativamente, en ese momento cállate. Deja de hablar.

Amma

No hacer daño exige estar despierto, lo cual supone...entre otras cosas, actuar con menos precipitación para ser conscientes de lo que decimos y hacemos.

Cuanto más observamos nuestras reacciones emocionales en cadena y comprendemos su funcionamiento, más fácil nos resulta abstenernos.

Permanecer despiertos, no precipitarnos y ser conscientes de lo que ocurre se convierte entonces en un modo de vida

Pema Chödrön

La paciencia es amarga, pero su fruto es dulce.

Jean Jacques Rousseau

La paciencia no es simplemente la capacidad de esperar, sino cómo nos comportamos mientras esperamos.

Joyce Meyer

 
Fotografía:Pilar Vidal Clavería
Penelles (Lleida)

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