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lunes, 12 de agosto de 2024

Maria Sanmartí, mare d'en Clavé, en la Fundació Palau

Últimamente las entradas en este blog, tienen a muchas figuras femeninas artistas, como protagonistas. En este año 2024, he compartido escritos sobre Eva Fàbregas, Fernande Olivier, Suzanne Valadon,
Chiharu Shiota y Susana Solano, sin olvidar la exposición MAESTRAS en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, repleta de obras de grandes mujeres artistas.
 
En esta ocasión, el turno es para Maria Sanmartí, "la mare d'en Clavé". Maria, fue una artista tardía que empezó a pintar a los 60 años y estuvo en activo entre 1947 y 1959. Sus primeras obras las firmaba como “Maria Sanmartí, mare d’en Clavé”. Su hijo era el artista Antoni Clavé (Barcelona, 1913-Saint Tropez, Francia, 2005) a quien ella llamaba "el pintor".
 
Maria Sanmartí, nació en Barcelona en el año 1886, en el barrio del Raval, en una familia humilde y murió en París en 1959.
 
La supervivencia o resilencia, cómo también diríamos hoy en día, de una persona, capaz de adaptarse y superar las situaciones adversas, con resultados positivos, es claramente el caso de Maria, que tras una enfermedad crónica, que le había paralizado un lado de su cuerpo, no pudiendo levantar ni mover su brazo derecho,  sin que ello fuera obstáculo para seguir adelante con su vida y la de su hijo, y superar las dificultades.
 
Al finalizar la Guerra Civil Española (1936-1939), su hijo Antoni Clavé marchó al exilio y se instaló en París, donde su madre lo acompañaría desde 1942. 

Esta exposición, además de mostrar diversas obras de la artista, nos cuenta su historia y a través de ella, permite rendirle homenaje y reconocer el valor de sus pinturas y cerámicas.
 

Puerta de acceso a la Fundació Palau en la localidad de Caldes d'Estrac, donde podemos ver la exposición temporal Maria Sanmartí, La inocencia del trazo, hasta el próximo 15 de septiembre, que cuenta con Aitor Quiney, como curador.
 
 
El año 1947, la vida de Maria tomo un giro importantísimo. Su nieto, Jacques, que entonces tenía cinco años, le regaló un dibujo que le había hecho. Maria correspondió al regalo con otro dibujo, realizado por ella misma. Era su primer dibujo.
 

Retrato de Maria Sanmartí,  realizado por su hijo el pintor Antoni Clavé.
 

Los amigos artistas de su hijo, la animaron a pintar y ella misma nos explica que "pintaba hojas y hojas, poseida por el demonio del color".

 
 Su trazo era ingénuo y el hecho de pintar con la mano izquierda, hacía que plasmar sus obras en el papel le supusiera un esfuerzo importante. Los amigos de su hijo, entre los que se encontraba Josep Palau i Fabre, la animaban a pintar, a pesar de no tener conocimientos técnicos de pintura, y lo que empezó en 1947 como algo casual, no dejó de dar frutos hasta su muerte.
Josep Palau i Fabre, escribió sobre la obra de Maria:
"El caso de Maria Clavé parece confirmar las posibilidades humanas del milagro. Salvar al niño que hay en nosotros es la primera condición para salvar al hombre."
  

La mayoría de sus primeras obras fueron con la técnica del guaix, y representaban, entre otros, interiores de habitaciones, jarros con flores, escenas de circo o paisajes.
 

Los reflejos de las escaleras del edificio de la Fundació Palau se proyectan en esta obra, una escena cotidiana
 
 
Aquí tenemos a uno de sus jarros con flores que podemos ver en el recorrido de la exposición
 

Cartel de la exposició de Maria en la Place Vendôme de París en 1949.
 
 
Cartel de la exposició de Maria en Basel en 1958, junto a la obra que lo ilustró
 

 Algunos de los bodegones que se pueden ver en la exposición de la Fundació Palau

Puedes leer un artículo de Xavier Montanyà, en el diario digital VilaWeb, clicando en el enlace


 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
8 agosto 2024

  Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.
 

 





 

 

martes, 7 de mayo de 2024

Suzanne Valadon. Una epopeya moderna

De la exposición MAESTRAS, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que tuve la oportunidad de visitar el pasado mes de enero,  quedaron en mi recuerdo diversas obras, algunas de las cuales, destaqué en una entrada anterior en este blog, con el título MAESTRAS, con mayúsculas, en el Thyssen-Bornemisza.
 
Una de ellas fue la obra de la artista Suzanne Valadon, Marie Coca y su hija Gilberte, 1913. Como comenté, la interpretación de la obra es que se invierten los viejos modelos de abnegación y mistificación de la maternidad, para dar paso a una realidad en ocasiones dura y díficil de los cuidados de nuestros hijos.
 
No sabía en aquellos momentos, que a los pocos meses podría visitar en Barcelona, una exposición con Suzanne Valadon de protagonista y organizada por el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya,  en colaboración con el Centre Pompidou-Metz y el Musée d'Art de Nantes, se trata de "Suzanne Valadon. Una epopeya moderna".
 
En la exposición actual, se revisa la figura de esta artista postimpresionista, que nació en 1865, que a los cinco años se trasladó a vivir con su madre al barrio de Montmartre de París y que se convirtió en pintora en el París de la Belle Époque, habiendo sido con anterioridad musa de diversos artistas, Pierre Puvis de Chavannes, Renoir, Tolouse-Lautrec, Santiago Rusiñol, André Utter, Degas...
 


El nombre de Suzanne, había sido Marie-Clémentine. Se cuenta que Tolouse-Lautrec, que fue amante de Suzanne durante unos meses, le cambió el nombre por el de Suzanne, haciendo alusión al episodio bíblico, de que posaba desnuda para los viejos.
En esta fotografía, vemos a Suzanne ante la obra expuesta en la exposición MAESTRAS en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.


Marie Coca, sobrina de la artista y su hija Gilberte, (1913), que se encuentra en el
Musée des Beaux-Arts de Lyon y que se exponía en MAESTRAS.
 
 
Mi manera particular de acercarme a algunas de las obras de Suzanne, fue captando diferentes flores que aparecen en los cuadros de la exposición, para entrar en los detalles, sin perder la visión general de sus obras, desde los retratos a los desnudos.
Fue de las primeras mujeres artistas, -no podemos olvidar que ya lo hicieron algunas desde finales del Renacimiento hasta el siglo XIX, como Artemisia Gentileschi y Lavinia Fontana-, que se atrevieron a pintar desnudos masculinos y femeninos.
 
 
La muestra reúne más de un centenar de obras, tanto suyas como de artistas contempóraneos catalanes y franceses. 
 
 
Pintora, dibujante y grabadora, estuvo en contacto con Matisse, Degas, Ramon Casas, Rusiñol y Miquel Utrillo quien fue pareja de Suzanne durante varios años y adoptó y dio su apellido al hijo de Suzanne, el pintor Maurice Utrillo

 
En la exposición podemos contemplar algunos de los autorretratos que realizó Valadon. Los elaboró con diversas técnicas: pastel, oleo y lápiz. En los diferentes autorretratos, podemos observar su propia autopercepción desde la juventud a la edad madura.

En sus obras tambíen combinaba flores con retratos.
 
 
Valadon aprendió sola a dibujar, durante un largo camino de diez años, en los que llegó a crear su propio estilo.


Degas fue uno de los artistas que observó su pintura y le prestó ayuda tanto a nivel técnico como de difusión de sus obras.
 
 
Suzanne Valadon falleció en París en 1938. A su entierro asistieron Picasso y Braque. Sus restos se encuentran en el cementerio de Montmartre.
 

 
En la zona final de la exposición encontramos varias de sus obras de desnudos, que experimentó en diferentes composiciones. En primer plano vemos una escultura en yeso de Matisse y al fondo los cuadros de Valadon.
 

Esta obra, La habitación azul de 1923, que se encuentra en el Centre Pompidou, Musée national d'art moderne - Centre de création industrielle de París, fue la 
primera obra de Valadon que adquirió el Estado Francés, en 1924.

 
Puedes ver un excelente resumen de la exposición en el video de Climent Vilella Capallera, clicando en el enlace 
 
Interesante video de la escritora Ángeles Caso en una conferencia en Youtube sobre Suzanne Valadon: El arte y las mujeres libres en la Fundación Mapfre de Madrid, puedes verlo clicando en el enlace
 
 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
MNAC, Barcelona
5 mayo 2024

  Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.





 

miércoles, 6 de marzo de 2024

Veneradas y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias llega a Barcelona

La exposición Veneradas y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias, ha llegado a Barcelona después de estar unos meses en Madrid.  En Barcelona, se podrá visitar hasta el próximo 16 de junio y después irá a las ciudades de Sevilla, Valencia y Zaragoza.

La exposición en el CaixaForum de Barcelona cuenta con más de 150 piezas del Brithish Museum, las cuales establecen un diálogo, con una selección de obras de artistas contemporáneas.

El hilo conductor de la exposición es la representación de lo femenino, que a lo largo de la historia se ha realizado a través de diosas, espíritus, santas, hechiceras, brujas, magas o demonios, unas representaciones que van en esta exposición desde el mundo antiguo hasta el momento actual, en un recorrido transcultural, una visión de las múltiples caras del poder femenino a lo largo de los siglos.

La exposición nos da la oportunidad de reflexionar y darnos cuenta de nuestros propios constructores culturales, nuestras creencias,  y de que pueden ser opuestas en diversas zonas del mundo. Permite darse cuenta que las ideas de protección y cuidado no se contradicen con una visión guerrera y destructora.
 
Se encuentra estructurada en cinco ámbitos temáticos:
 
- Creación y naturaleza
- Pasión y deseo
- Magia y malicia
- Justicia y defensa
- Compasión y salvación
 
Las dos comisarias al frente de esta exposición son Belinda Crerar, comisaria y responsable del desarrollo de contenido de exposiciones internacional del Brithish Museum y Rosa Martínez,  asesora curatorial de la selección de las obras contemporáneas y con las que podemos leer una interesante entrevista en El Diario.es, clicando en el enlace.
 
La exposición también permite reflexionar sobre los estereotipos construidos sobre la feminidad y la noción de género. La representación simbólica está unida a la belleza femenina aunque a veces el género se difumina y aparecen hermafroditas (bigéneros) de notables atributos, o se representa lo singénero.  
 
Belinda Crerar explicó en unas declaraciones: “Porque algunas figuras espirituales son intrínsecamente femeninas, pero hay otras con identidades más complejas que trascienden el género binario”.
 
En el acceso a la exposición nos encontramos con tres figuras prehistóricas y el vídeo de la artista argentina Ana Alvarez-Errecalde, con su obra Resurgir del 2019, una invitación al diálogo que progresa a lo largo de la muestra.

Mi sombra se integra ante el video Resurgir, en el que el cuerpo de Ana, en pie  y cubierto por velos blancos, un axis mundi, se fusiona con la naturaleza y alude a su continuo renacimiento, simbolizando la resiliencia de las mujeres, para emerger de situaciones dificiles. La nota explicativa junto a la obra, comenta que además es un homenaje a las artistas olvidadas por la historia oficial lo que me ha conectado con la exposición que vi en Madrid,  MAESTRAS en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y que puedes recordar clicando en el enlace.
 
Una de las tres figuras femeninas que se encuentran junto a la entrada de la exposición, 2800-2300 a.C
 
 
Escultura en mármol de Deméter, una de las doce divinidades de la antigua Grecia, del año 100-200 d.C, se encuentra  junto a una lápida también de Deméter del 370 a.C.

Figura espiritual procedente de Rapa Nui, la Isla de Pasqua, la posicion de sus manos simbolizan la fertilidad, está elaborada en madera, hueso de animal y obsidiana.
 

Estatua romana de Venus, Afrodita para los griegos, del 150-100 a. C
 

Máscara de baile de Taraka, 1994, de papel maché, arcilla y cera. Encontrada en Bengala Occidental, India.
 

Aquí vemos una fotografía que da idea de la diversidad de las obras expuestas
Al fondo podemos ver la estatua de granodiorita de la diosa leona Sekhmet, 1391-1353 a.C., relacionada con la aniquilación y la enfermedad y también con la protección
En el centro una proyección de Marina Abramović, con su performance Dragon Heads del 2018.
En primer plano una máscara de teatro de madera pintada, bañada en oro y con colmillos de jabali, procedente de Bali, Indonesia.

Y para máscara sorprendente la de Hannya del Japón, realizada en madera


Busto romano de Minerva inspirado en la estatua griega de Atenea, Estrategia y fuerza, 1-160 d. C , con casco militar y procedente de Italia.
 

 Guía del camino, 161-200 d.C, una pieza de mármol de Italia, representando a Hécate, que mira a diferentes caminos.
 
Esfinge, 1983, una maqueta realizada por Niki de Saint Phalle, de resina pintada.
 
Figura de Guanyin, 1750-1720, de porcelana, procedente de Dehua, China.
 
LEIVA, obra de Austin Camillieri, de aluminio fundido y pintura blanca
 
 
 Videos de La exposición Veneradas y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias, puedes verlos clicando en este enlace y en este otro enlace
 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
27 febrero 2024
 
Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

lunes, 19 de febrero de 2024

La Nau Bostik, un espacio especial donde reinan los murales

Desde hace unos años que me gusta acercarme a la Nau Bostik, el espacio social y cultural de gestión comunitaria, que se encuentra en el barrio de La Sagrera de la ciudad de Barcelona. Un lugar en el que, semana tras semana, se suceden acontecimientos socio-culturales,  interesantes conferencias, cursos, exposiciones y también mercados de segunda mano.
 
De todas formas reconozco, que mi interés principal para ir a la Nau Bostik, son los murales que se encuentran en su recinto. Recuerdo la primera vez que fui cámara en mano, buscando un mural del artista Sixe Paredes. No lo encontraba. Pregunté y Blanca Haddad, una artista multidisciplinaria venezolana, que en aquel momento estaba en la Nau Bostik, me acompañó hasta el terrado, donde pude verlo y fotografiarlo.
 
 
Fotografía que me hizo Blanca, junto al Mural de Sixe Paredes, en el terrado de la Nau Bostik.  Era octubre del 2016 y hacia poco tiempo que se había despertado mi interés por el arte urbano y por los murales.
 
La Nau Bostik inició su andadura hace ahora nueve años. Fue un proyecto impulsado por el arquitecto, activista y fotógrafo Xavier Basiana i Vers.
 
Basiana explica en la web de la Nau Bostik el resumen y motivación de la misma:

"El proyecto de la Nau Bostik surge con la voluntad de impulsar y dar visibilidad a actividades relacionadas con la cultura y el ocio, manteniendo los principios de diversidad y sostenibilidad como líneas maestras y buscando al mismo tiempo erigirse como una plataforma para la difusión de la información y del conocimiento."

En cuanto a los murales en puertas y muros de la Nau Bostik, encontramos de emblemáticos y que siguen estando desde los primeros tiempos y otros que se hacen de nuevo sustituyendo a murales anteriores. En cada ocasión que la visito, me pregunto ¿con que sorpresa me encontraré?.


Si hablamos de murales emblemáticos, sin duda este de Sebastien Waknine, lo es. Fue uno de los primeros que se realizaron en la Nau Bostik.
 

Algunos de las imágenes de los murales de la Nau Bostik, forman parte de la ilustración de mi libro Citas y Flores de Bach, que autopubliqué en el 2021.
Se trata de una recopilación de citas de diversos autores, que relaciono con cada uno de los 38 remedios de las Flores de Bach, acompañadas de fotografías de murales de distintos artistas, en diferentes lugares de Europa.
La obra en este muro es de Juan Alonzo, y la escogí para ilustrar a Scleranthus.

 
También ilustra el libro de Citas y Flores de Bach esta obra de Tweemuizen, que acompaña a las Citas relacionadas con Elm y que puedes ver clicando en el sigiente enlace.

Durante un tiempo estuvo en una puerta metálica, este mural que AXE Colours, Adrià Bosch, realizó en el 2017 de Tyrion Lannister.
 
Tampoco se encuentra ya, el mural que hizo Irene López León de esta zona de la Nau Bostik, donde habitualmente se colocan sillas y mesas para degustar comidas y bebidas y que me gustaba especialmente.
 
Aquí vemos dos obras de Miquel Wert, otro pintor y muralista que ha colaborado en las paredes de la Nau Bostik, desde sus inicios.
 
 
También me gusta especialmente esta puerta con el mural "Still Life:Nau Bostik", que el artista argentino Nicolás Romero Escalada, conocido como Eversiempre, realizó en el 2020

Las carismáticas figuras de Marina Capdevila lucen junto al mural de Elian Chali, en las paredes exteriores de uno de los edificios de la Nau Bostik.

 
Permanece en una de las fachadas exteriores, este mural de Sam 3, con una de sus típicas figuras, y que me asemeja una flor de seis pétalos conformada con los brazos y cabezas.
 

 Como os he explicado los murales de las paredes cambían, en función del momento y de la situación que estemos viviendo como sociedad.
Desde hace unos días el dolor de los padres y familiares, por la muerte de sus seres queridos en la franja de Gaza, también está presente en las paredes de la Nau Bostik. 
Lo comprobamos, a traves de estos murales, realizados de izquierda a derecha de la imágen, por artistas como Nadia Jaber y Juan Kantor, siguiendo la fotografía de Majdi Fathi, el de Jaume Montserrat, basado en la fotografía de Belal Khaled y el de Sigrid Amores con la fotografía de Ali Jadallh
Estos murales forman parte de la iniciativa de Unmute Gaza, en la que artistas de todo el mundo adaptan fotografías de los reporteros que aún permanecen en Gaza bajo los bombardeos.
El objetivo principal de este proyecto Unmute (reactivar el silencio) es confrontar e iniciar una conversación sobre el silencio occidental ante lo que está sucediendo en Gaza.
 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
18 febrero 2024

Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.


domingo, 28 de enero de 2024

Monet. Obras maestras del Musée Marmottan

La pintura impresionista siempre me ha fascinado y Claude Monet (París, 14 de noviembre de 1840 - Giverny, 5 de diciembre de 1926) es su representante más destacado, y el pintor de este movimiento, cuyas obras me gustan más. Sus cuadros de flores, -nenúfares, glicinias, iris, amapolas, hemerocallis, peonias-, me tienen el corazón robado.

Mi pasión por Monet y sus obras viene de lejos, desde que en 1992 se organizó en el Palau de la Virreina de Barcelona, la exposición "Monet a Giverny", con obras realizadas de 1903 a 1926. Para mi fue extraordinaria.

En cuanto tuvimos los billetes para el viaje en tren desde Barcelona, hice rápidamente la compra de las entradas para ver la exposición de Obras maestras del Musée Marmottan Monet de París. Me hacía mucha ilusión.

La exposición cuenta con más de 50 obras realizadas entre 1870 y los primeros años del Siglo XX. Monet pintó sus nenúfares en Gibernay hasta los últimos días de su vida. Me encantaría visitar Gibernay, "quizás algún día!" Me gusta pensar.

La exposición en el recinto CentroCentro ubicado en la Plaza de Cibeles de Madrid, se podrá visitar hasta el próximo 25 de febrero,


Retrato de Monet pintado por Pierre-Auguste Renoir en la década de 1870. Ambos pintores eran amigos y viajaron juntos en varias ocasiones, Monet conservó esta pintura en su colección personal.
 
 
El tren en la nieve. La locomotora (1875), paisaje nevado de la estación de tren de Argenteuil, que se encuentra en las afueras de París, a Monet le gustaban especialmente lo trenes y sus estaciones.
 

Detalle de la obra Paseando cerca de Argentuil, 1875. En un campo de flores vemos a la mujer de Monet,  Camille,  y detrás la figura de un hombre que casi se funde en el paisaje.

 
Claude Monet estuvo durante el verano de 1870 en la playa de Trouville, en Normandía. Allí pintó en esta obra a su esposa Camille, en compañía de una familiar, donde logra una fusión entre el ambiente y el tema.

 
Casas rojas bajo la nieve en BjÖnrnegssrad, Noruega, donde Monet y su segunda compañera Alice, vivieron durante unos meses en 1895.
 

Nenúfares (1916-1919), Monet trabajaba con varios cuadros a la vez, desde las primeras horas del día hasta que anochecía.

Monet pintó varias series de vistas del Parlamento de Londres. Aquí tenemos un detalle de El Parlamento. Reflejos sobre el Támesis, fechado en 1905. Sus estudios del agua y los reflejos del sol fueron una constante en el tiempo que permaneció en la ciudad.
 

"Lo que necesito son flores, siempre".
 Claude Monet


En la década de 1920 Monet dedicó series de pinturas a El paseo de las rosas en su jardín de Gibernay. El elemento distintivo es el arco situado en el centro de la composición cubierto de flores trepadoras. Estas series nunca se expusieron en vida de Monet, son obras testimoniales cercanas a la abstracción
 

El puente japonés de madera, se contruyó poco después de que se creará el jardín acuático de Gibernay en 1893, conviertiéndose en el protagonista de muchas de sus obras.
También mandó construir una pérgola sobre el puente para cultivar glicinias.
 

 La pintura de las glicinias, era uno de los temas favoritos de Monet. El origen es esta planta ornamental se encuentra en el extremo oriente. Monet pintó las glicinias entre los años 1919 y 1920.
 

 Nenúfares pintados por Monet en una serie de paneles monumentales, realizados entre 1914 y 1926 y que donó al Estado Francés para celebrar el final de la Primera Guerra mundial.
 
"He pintado infinidad de nenúfares, cambiando siempre de punto de vista, modificándolos según las estaciones y adaptándolos a los distintos efectos de la luz que crea su cambio. Y el efecto cambia sin cesar, no sólo de una estación a otra, sino también de un momento a otro. El elemento básico es el espejo del agua, cuyo aspecto cambia a cada instante al reflejarse en él los destellos del cielo, que le dan vida y movimiento. Para lograr algo de este cambio continuo, hay que tener cinco o seis cuadros en los que trabajar al mismo tiempo y hay que pasar de uno a otro, volviendo rápidamente al primero en cuanto reaparece el efecto interrumpido".
 
Claude Monet, febrero 1918, Revista La Revue de l'Art Ancien et Moderne.
 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Madrid
14 Enero 2024

Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

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