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sábado, 29 de marzo de 2025

BOTERO, Un maestro universal, gran exposición en Barcelona

Es la segunda vez que acudo al Palau Martorell de Barcelona, la primera vez fue en enero del 2024, para ver la exposición de Marc Chagall, el color de los sueños
 
En esta ocasión el color es de nuevo el protagonista, a través de las llamativas obras del maestro Fernando Botero.
 
Fernando Botero, Un maestro universal, podrá verse en la ciudad condal hasta el próximo 20 de julio. 

Esta exposición de Botero, el artista colombiano que nació en la ciudad de Medellín en 1932 y murió en Mónaco en 2023, es un homenaje a su figura y a su obra. Un magnífico recorrido a través de un conjunto de 110 obras, donde podemos disfrutar de sus pinturas realizadas en diversas técnicas: óleos, acuarelas, sanguinas, carboncillos y dibujos a lápiz y también de sus esculturas de pequeño formato.

Las comisarias de la exposición son Lina Botero, hija del pintor, y Cristina Carrillo de Albornoz.
 
Las características más reconocibles de las obras de Botero, son sin duda sus volúmenes monumentales y sus colores siempre vibrantes. 
 
Sus pinturas denotan una influencia directa de grandes maestros de la pintura españolea e italiana. 

Su obra La Menina según Velázquez, que podemos ver en la exposición, estaba colgada en su estudio de París, y fue siempre muy especial para él. Otra obra significativa es Homenaje a Mantegna, que pertenece a una colección privada y que fue recientemente descubierta por su hija Lina, a través de Christie's.
 
El recorrido por las tres plantas de la exposición, nos pone en contacto y contexto, con sus diversas temáticas, las más festivas, el circo, la naturaleza muerta, la mitología, la religión y sus versiones de obras maestras de la historia del arte. Y tambien nos permiten descubrir unas obras menos conocidas, punzantes y terribles, como las que representan las torturas en Abu Ghraib, la prisión de Irak.
 
 
De entrada disfruté de las obras que celebran la vida a través de la música y el baile.
 

De los recuerdos de la Colombia provinciana de los años 30 y 40, que Botero plasma y transmite en muchas de sus obras.
 
 
Y de sus escenas de picnic, amables y distendidas
 
 
Esta obra, un pastel, es de su hijo Pedrito.
Pedrito, murió a los 4 años, como consecuencia de un accidente de camión durante una estancia del pintor en España. Esta obra es inédita, ya que nunca antes había abandonado el espacio familiar.

 
Fernando Botero decía, según explica su hija Lina, que quería morir como Picasso, con el pincel en la mano.
 
 
En esta obra no está con el pincel, sino con flores y llevé mi atención a diversas obras, donde las flores se encontraban en las manos de otros protagonistas.
 

 
 
 Como en, La Menina según Velázquez que
Botero no quiso firmar, porque según explica su hija Lina:
 "Era más de Velázquez que de Botero


Y en la María Antonieta según Vigee Le Brun. 

 
Y como no, quedé enamorada de sus flores de colores en su tríptico
Flores en amarillo, Flores en azul, Flores en rojo 
 

 
Perfil de una de sus esculturas de bronce frente al "Díptico Según Piero della Francesca"
 
 
Esta imagen de una madre llorando con su hijo muerto en brazos, me conmovió, mi pensamiento se fue a El Guernica de Picasso y a las tremendas fotografías de las madres de la todavía actual guerra de Gaza.
Madre e hijo, una obra del 2004, de una colección privada.



Las obras que reflejan la violencia en Colombia y en Abu Gharaib, la cárcel de Irak donde soldados, agentes secretos y contratistas militares estadounidenses, torturaron a prisioneros durante la ocupación del país liderada por George W. Bush, también conmueven y nos conectan con la parte cruel y la maldad del ser humano.

La serie de 60 pinturas y 100 dibujos sobre las torturas de los prisioneros, que realizó Botero de Abu Gharaib, se negó a venderlas, y las regaló a la biblioteca de la Universidad de California, Berkeley.

Durante más de un año no pudo hacer otra cosa. “Sabía que el arte no puede cambiar la realidad, pero sí dejar un testimonio. Quizás hoy nadie se acordaría de la tragedia de Guernica si Picasso no hubiera pintado su cuadro”, reflexiona Carrillo De Albornoz. 

 

 
Finalizo mi visión de esta espléndida restrospectiva de Botero, haciendo parada en sus cuadros de circo, un tema del que me gusta esta frase:
"Nada de lo que hacen es excesivo, porque siempre es todo posible”
 
Documental en Filmin, BOTERO, realizado en el 2019, cuatro años antes de su muerte.
Puedes ver el Trailer clicando en el enlace
 
Texto y Fotografias: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
27 marzo 2025

Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

 
 

jueves, 20 de marzo de 2025

Cuadros con flores en la pintura del siglo XX, en el Thyssen-Bornemisza

Las visitas a la ciudad de Madrid, tienen para mi una parada "obligada" y siempre enriquecedora al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
 
El Thyssen alberga una serie de obras que siempre me gusta volver a ver y además en los últimos años, algunas de sus exposiciones temporales, en concreto la de Georgia O'Keeffe en junio del 2021 y la de Maestras en enero del 2024, han sido dos joyas extraordinarias. 

El pasado domingo en mi recorrido por el museo, resaltó una de sus salas, la 38, ya que acogía seis obras dentro de: Cuadros con flores en la pintura del siglo XX.
 
La información que muestra el panel explicativo, en relación a la elección de esta temática, es que muchos artistas de la modernidad, han continuado haciendo pinturas de flores.
 
Las flores en sus obras les permiten hablar de la belleza del mundo natural y de la simbología de la vida y la muerte.
 
Los impresionistas, habían plasmado en sus obras de flores y jardines, sus impresiones fugaces de un momento suspendido en el tiempo. En constraste, los expresionistas posteriores a éstos, anhelaban provocar sentimientos perdurables. El color aplicado con pincenladas gestuales desempeñó un papel primoridal para explorar distintas emociones.
 
Entre las seis obras, podemos ver tres de Emil Nolde, atraido por la simbología de las flores, una de Beckmann, como evocación de su tensión emocional tras su huida de Berlín, al llegar el régimen nazi,  una de Matisse, donde lo esencial era su energía cromática, perteneciente a una etapa anterior al nacimiento del movimiento fauve y una de Ernst Ludwig Kirchner, fundador y principal impulsor del grupo expresionista alemán Die Brücke (El Puente).
 

La cala, 1914
 

Flores rojas, 1906
Emil Nolde (1867-1956) 


Jardín de flores, 1917
Emil Nolde (1867-1956) 


Girasoles resplandecientes, 1936
Emil Nolde (1867-1956)
 
 
Bodegón con rosas amarillas, 1937
Max Beckmann (1884-1950) 

Las flores amarillas, 1902
Henri Matisse (1869-1954) 
 
Además de mi interés por las flores de la sala 38, había otra sala en el museo, que capataría toda mi atención, la 46, allí estaba una de las flores de la artista Georgia O'Keeffe, su Lirio blanco número 7, extraordinario. 
 
La artista en relación a sus más de 200 composiciones florales, que dejó al morir,  publicó en un catálogo del 1939, este interesante  texto:
 
 «Bien, he conseguido que mires lo que yo he visto y cuando te tomas el tiempo de ver realmente mi flor adjudicas todas tus propias asociaciones sobre las flores a mi flor y escribes sobre mi flor como si yo pensara y viera lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo».


Lirio blanco nº 7, 1957
 Georgia O'Keeffe (1887-1986) 
 
Y una última obra, como colofón de esta entrada de flores en el blog, es la pintura de Richard Estes pintor estadounidense conocido por sus pinturas hiperrealistas, enmarcado en el movimiento del fotorrealismo.

 

miércoles, 12 de marzo de 2025

Joana Vasconcelos y "Flamboyant", en el Palacio de Liria

La artista portuguesa Joana Vasconcelos, presenta en el Palacio de Liria de Madrid, una exposición que he visitado el pasado lunes, 10 de marzo y que me ha parecido espectacular.
 
Se trata de Flamboyant que podrá verse, hasta el próximo 31 de julio, con 38 obras en el interior del palacio y dos obras más en sus jardines.
 
El título es sin duda acertado, pues Flamboyant significa: extravagante, vistoso, llamativo, un acierto pleno, en relación a lo que podemos disfrutar durante el recorrido.

A Joana Vasconcelos, se la denomina feminista, surrealista, irónica, pop, siendo reconocida intercionalmente por sus instalaciones monumentales.
 
Las intervenciónes de la artista con sus obras en el interior del palacio, se integran en los diversos salones, la biblioteca, la capilla, la escalera de acceso a la primera planta... y conviven con obras maestras de artistas como Goya, Velázquez, Rubens, Tiziano, Murillo o El Greco, por citar algunos de los más conocidos.

Por primera vez las obras de Joana Vasconcelos, llegan a un gran palacio habitado, a diferencia de otras intervenciones realizadas en espacio históricos como la del palacio de Versalles. 

En las obras e intervención de la artista, hay un gran trabajo de equipo en su taller, ya que algunas de sus obras son de gran envergadura.


En exterior del Palacio de Liria, frente a la puerta de la entrada principal, nos encontramos con esta primera muestra, de las espectaculares instalaciones de Joana Vasconcelos.
 
 
En esta imagen tenemos un detalle de los pendientes de flamenca, que forman parte de la grandiosa lámpara de hierro y terciopelo negro, que con el título de Carmen, cuelga del techo de la biblioteca.
 
En la biblioteca se encuentran diversos manuscritos, uno de ellos, una carta manuscrita de Prosper Merimée, autor de la novela que Georges Bizet adaptaría a la ópera Carmen
Esta conexión es una de las que se encuentran entre el arte contemporáneo de Joana Vasconcelos y otras manifestaciones artísticas anteriores que repartidas por las estancias del palacio.


 En la biblioteca además, se escucha de fondo la voz de María Callas, cantando la famos aria de la ópera Carmen

 
Dos imponentes leones, Vigoroso e Poderoso elaborados en croché de algodón y hechos a mano, custodian la entrada del palacio del siglo XVIII.
Intervino en su construcción el arquitecto Ventura Rodríguez, al que hice referencia hace pocos días en la entrada del blog Real Academia de Medicina de Catalunya, pues fue el constructor del edificio.
 
 
Con ocasión de la exposición, es posible la visita pública de la capilla, en la que encontramos un imponente corazón, Flaming Heart
 
 
En la sala de música, se encuentra este Piano Dentelle #3, un piano cubierto de ganchillo hilvanado especificamente para él.


La creación  Valkyrie Thyra, la encontramos en el hueco de la escalera de acceso al piso superior.
la muestra también incluye piezas de reciente creación como Valkyrie Thyra.


La obra Sapatos. Marilyn, realizada en el 2011 es una de las que más me impresionó.
 Se trata de una obra de grandes dimensiones, realizada con cacerolas. Unas sandalias parecidas a las que Marilyn Monroe llevó a Vietnam para animar a las tropas estadounidenses.
 

 Jugué con mi cámara y los reflejos en la tapas de las ollas de cocina.
 

El gran lazo que da título a esta obra,  J’Adore Miss Dior, que es la gran firma francesa que patrocina la exposición.

 
 
Detalle de la pintura de Doña María del Pilar Teresa Cayetna de Silva Álvarez de Toledo, XIII duquesa de Alba, del gran Francisco de Goya.
Un retrato que realizó Goya con su cabello suelto y lazos rojos en la cabeza y en el vestido.
 

 Vemos en el espejo reflejada la instalación Perruque, que recuerda a las pasadas mujeres de la Casa de Alba,  obligadas a llevar peluca, en contraste con el cabello suelto de la duquesa de Alba.

 
"En mis exposiciones se genera un momento de conexión y de espiritualidad, no es algo técnico ni intelectual sino emocional. Me he dado cuenta de que a través de mis piezas consigo generar una sonrisa en las personas. Cuando me preguntan qué es lo que más me gusta que pase en mis exposiciones siempre digo lo mismo: que la gente salga contenta y que piense ‘¡wow, qué momento, qué locura, qué belleza!’. Yo ayudo a la gente a salir de la vida diaria y de la banalidad para dar espacio a una conexión más profunda" 
 Joana Vasconcelos 
 

Detalle de otra obra maestra
La infanta Margaria de Diego de Velázquez
 
 
Del corazón rojo de la capilla del palacio, al corazón negro, Coração Independente Preto-Corazón independiente negro, ejecutado con tenedores de plástico y vinculado a la saudade y al fado.


Una obra muy reciente, de este 2025 es La Théière.
Como homenaje a Catalina Enriqueta de Portugal, reina consorte de Inglaterra, Escocia e Irlanda tras contraer matrimonio con Carlos II. Que según parece introdujo la costumbre de beber té.
 
 
Parte posterior del Palacio de Liria con sus jardines.
 
 
Recinto exterior del Palacio de Liria anunciando la muestra "Flamboyant" de Joana Vasconcelos

Texto y Fotografias: Pilar Vidal Clavería
Madrid
10 marzo 2025

Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.

lunes, 12 de agosto de 2024

Maria Sanmartí, mare d'en Clavé, en la Fundació Palau

Últimamente las entradas en este blog, tienen a muchas figuras femeninas artistas, como protagonistas. En este año 2024, he compartido escritos sobre Eva Fàbregas, Fernande Olivier, Suzanne Valadon,
Chiharu Shiota y Susana Solano, sin olvidar la exposición MAESTRAS en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, repleta de obras de grandes mujeres artistas.
 
En esta ocasión, el turno es para Maria Sanmartí, "la mare d'en Clavé". Maria, fue una artista tardía que empezó a pintar a los 60 años y estuvo en activo entre 1947 y 1959. Sus primeras obras las firmaba como “Maria Sanmartí, mare d’en Clavé”. Su hijo era el artista Antoni Clavé (Barcelona, 1913-Saint Tropez, Francia, 2005) a quien ella llamaba "el pintor".
 
Maria Sanmartí, nació en Barcelona en el año 1886, en el barrio del Raval, en una familia humilde y murió en París en 1959.
 
La supervivencia o resilencia, cómo también diríamos hoy en día, de una persona, capaz de adaptarse y superar las situaciones adversas, con resultados positivos, es claramente el caso de Maria, que tras una enfermedad crónica, que le había paralizado un lado de su cuerpo, no pudiendo levantar ni mover su brazo derecho,  sin que ello fuera obstáculo para seguir adelante con su vida y la de su hijo, y superar las dificultades.
 
Al finalizar la Guerra Civil Española (1936-1939), su hijo Antoni Clavé marchó al exilio y se instaló en París, donde su madre lo acompañaría desde 1942. 

Esta exposición, además de mostrar diversas obras de la artista, nos cuenta su historia y a través de ella, permite rendirle homenaje y reconocer el valor de sus pinturas y cerámicas.
 

Puerta de acceso a la Fundació Palau en la localidad de Caldes d'Estrac, donde podemos ver la exposición temporal Maria Sanmartí, La inocencia del trazo, hasta el próximo 15 de septiembre, que cuenta con Aitor Quiney, como curador.
 
 
El año 1947, la vida de Maria tomo un giro importantísimo. Su nieto, Jacques, que entonces tenía cinco años, le regaló un dibujo que le había hecho. Maria correspondió al regalo con otro dibujo, realizado por ella misma. Era su primer dibujo.
 

Retrato de Maria Sanmartí,  realizado por su hijo el pintor Antoni Clavé.
 

Los amigos artistas de su hijo, la animaron a pintar y ella misma nos explica que "pintaba hojas y hojas, poseida por el demonio del color".

 
 Su trazo era ingénuo y el hecho de pintar con la mano izquierda, hacía que plasmar sus obras en el papel le supusiera un esfuerzo importante. Los amigos de su hijo, entre los que se encontraba Josep Palau i Fabre, la animaban a pintar, a pesar de no tener conocimientos técnicos de pintura, y lo que empezó en 1947 como algo casual, no dejó de dar frutos hasta su muerte.
Josep Palau i Fabre, escribió sobre la obra de Maria:
"El caso de Maria Clavé parece confirmar las posibilidades humanas del milagro. Salvar al niño que hay en nosotros es la primera condición para salvar al hombre."
  

La mayoría de sus primeras obras fueron con la técnica del guaix, y representaban, entre otros, interiores de habitaciones, jarros con flores, escenas de circo o paisajes.
 

Los reflejos de las escaleras del edificio de la Fundació Palau se proyectan en esta obra, una escena cotidiana
 
 
Aquí tenemos a uno de sus jarros con flores que podemos ver en el recorrido de la exposición
 

Cartel de la exposició de Maria en la Place Vendôme de París en 1949.
 
 
Cartel de la exposició de Maria en Basel en 1958, junto a la obra que lo ilustró
 

 Algunos de los bodegones que se pueden ver en la exposición de la Fundació Palau

Puedes leer un artículo de Xavier Montanyà, en el diario digital VilaWeb, clicando en el enlace


 
Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Barcelona
8 agosto 2024

  Las informaciones sobre las Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.
 

 





 

 

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